La vuelta de "Héroes".

Luego de 10 años de separados, los integrantes de la banda Héroes del Silencio confirmaron su gira mundial de 10 únicos conciertos.

La gira mundial se realiza con motivo del 20 aniversario del lanzamiento de sus primeras grabaciones y a diez años de su separación.

Enrique Bunbury, Juan Valdivia, Joaquín Cardiel y Pedro Andreu volverán a unir sus fuerzas en este histórico tour en el que podrán verlos y escucharlos en directo más de medio millón de personas en ambos lados del Atlántico.

Héroes del Silencio (banda formada en Zaragoza) ha sido uno de los grupos más importantes de la historia del rock en nuestro idioma, vendiendo más de seis millones de discos en más de una veintena de países, de Europa, América y Asia.

Su primer concierto del reencuentro se efectuará el 15 de septiembre en Guatemala, seguido por Buenos Aires el 22 de septiembre; en la Ciudad de México 4 y 6 de octubre; Zaragoza el 10 y 12 de octubre y Sevilla el 20 de octubre, que cerrará su tour 2007.

Si no los conoces y quieres descubrirlos...

Platinum Collection


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Comunicado Oficial Heroes del Silencio Tour 2007

Gogol Bordello

Si Kofi Annan tuviese un grupo, ese sería Gogol Bordello. Dos rusos, uno tocando el acordeón y otro el violín; un israelí tocando el bajo; un estadounidense a la batería; dos tailandesas que ponen el baile y un ucraniano con un enorme bigote, Eugene Hutz, que canta y toca la guitarra. Gogol Bordello tiene un salvaje directo, donde a ritmo punk-skatalítico queda reflejada la esencia juerguista de la música de Europa del Este.

Gogol Bordello es una banda liderada por Eugene Hutz, natural de Ucrania, europeo de corazón tras recorrer el continente cuando tuvo que abandonar su país tras el desastre de Chernobil. Ha dado sus primeros pasos como actor en la película "Everything is illuminated". Su música se define como "gypsy punk". Suenan muy bien, aunque la fusión puede resultar extraña. Excelentes músicos y letras comprometidas, relacionadas siempre con la inmigración, las fronteras y el mestizaje.

Lejos del estereotipado y aburridamente predecible mestizaje convertido en actual santo y seña de miles de jóvenes alrededor del mundo, Hütz y su cohorte de excelentes instrumentistas se embarcan con feroz empeño en la tarea de derribar cualquier tipo de barrera estilística. En su propuesta conviven sin problemas vitalistas cantos a la vida con el lamento ancestral propio del inmigrante europeo, dando como resultado un carrusel de emociones y ritmos que entusiasmará a quienes necesiten con desesperación escuchar algo que todavía les sorprenda.


Aquí sus discos:

Multi Kontra Culti


Gipsy Punks


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Su impresionante directo:

Genesis

Vamos a hacer una pequeña referencia a un grupo que no está de moda. De hecho nunca lo estuvo. Pero realmente fue un logro no estarlo, porque no lo estuvieron a pesar de haber vendido 130 millones de discos, de haber vendido casi 15 millones de entradas a sus conciertos, de haber hecho 1.433 conciertos, (que se multiplican por más de 2 si contamos los de cada uno de sus 5 miembros por separado), de haber tenido 10 discos consecutivos en el top 3 inglés y 6 en el número 1. Es más, nunca estuvieron de moda a pesar de crear junto con Pink Floyd un movimiento que cambió el rock y que se dió en llamar el rock progresivo. Nombre extraño para un movimiento que justamente representaba más que un progreso una mezcla del rock con música clásica, en sonidos y hasta en sus letras.

Pero eso es pasado y ahora estamos escribiendo para hablar del presente de Genesis. El trio que permaneció más tiempo junto, es decir Phil Collins, Mike Rutherford y Tony Banks, el que progresó desde la música progresiva a una estética más pop-rock tradicional se he vuelto a unir para hacer una gira de 15 conciertos en Europa y otros tantos en Estados Unidos.

Peter Gabriel dejó Genesis en 1975, Steve Hackett en 1977 y Phil Collins se separó de Banks y Rutherford en 1994. Entonces, éstos invitaron a Ray Wilson para ser la voz del disco final de Genesis en 1998, sugestivamente llamado “Calling all stations”. Sin embargo, aunque cada uno seguía su carrera por separado, las reuniones entre los ex miembros eran permanentes. Phil Collins se casó en 1996 y Banks y Rutherford tocaron en su boda. Luego se casó Peter Gabriel y la banda completa volvió a tocar en la boda. En 1999 hicieron un trabajo en común del que surgió un hermoso remake del tema Carpet Crawlers donde compartieron vocales Phil Collins y Peter Gabriel. Esto ocurría por primera vez desde el concierto de reunificación de Genesis en 1981. Entre 1981 y 1999 Phil Collins ha participado de discos de Peter Gabriel pero solo desde la batería.

Luego de que en 2001 Phil Collins tuviera una infección que afectara gravemente su oído, los médicos le recomendaron no seguir haciendo actuaciones, por lo que decidió despedirse de las actuaciones con una serie de actuaciones. Se denominaron el First Farewell Tour o el Tour de la Primera Despedida. Yo tuve la fortuna de presenciar el concierto de Barcelona del año 2004 y llegué tarde para ver el comienzo del grupo telonero. Cuando entro al Palau Sant Jordi oigo los acordes de “Over my shoulder” y pensé: que bueno que hayan traído una banda de teloneros que hagan covers de Mike and the Mechanics. Pero no, cuando diviso el escenario, Mike Rutherford y sus Mechanics estaban allí, simplemente haciendo de teloneros para la despedida de Collins.

Luego las reuniones se siguieron dando y la idea de la reunificación para una serie de Conciertos fue tomando forma. Peter Gabriel decidió mantenerse al margen esta vez, pues consideraba que debía esta reunificación implicar más que una gira mientras que Collins, Rutherford y Bank prefirieron la opción más modesta y se lanzaron a la gira. Esperaremos a ver que nos deparan estos viejos, eternos demodé, innovadores en el rock pero muy lejos del estilo rock-star. Ni a esta banda ni a alguno de sus miembros históricos, le cantarán que “baje del cielo” porque nunca lo estuvo y nunca pretendió estarlo. En ocasiones, eso libera de responsabilidad para crear en forma más personal y espontánea.

Sus discos emblemáticos:

Foxtrot


Selling England by the Pound


The Lamb Lies Down on Broadway


Abacab


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Escrito por Pablo D'Angelo (Larga vida al "Drink Team" !)

Modest Mouse - "We Were Dead Before The Ship Even Sank"

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Pertenecientes al selecto grupo de bandas que redefinió el rock de espaldas al mainstream, Modest Mouse puede jactarse de dos logros: superar la barrera del tercer álbum sin repetir fórmulas y, gracias al excelente Good News For People Who Loves Bad News (Epic, 2004), trepar a la masividad sin siquiera haber comprometido su sonido en función de las grandes masas. La pregunta surgía natural: ¿qué venía después de ese suceso? La respuesta estaba en We Were Dead Before The Ship Even Sank, su esperado séptimo larga duración.

No hace falta llegar a la mitad del álbum, para darse cuenta que We Were Dead… es un disco continuador de la última etapa de la banda. Los devotos de esa explosión de noise pop y espasmos rítmicos llamada The Lonesome Crowded West (UP, 1997) pueden declarar a su grupo favorito como perdido, porque aquí Isaac Brock parece llevar la consistencia de Good News… a nuevas dimensiones. En We Were Dead… las fantasías neopsicodélicas (’Little Motel’), las marchas desoladoras (’Parting of the Sensory’) y los singles para la pista de baile (’Dashboard’) convergen en una mirada mucho más pop y luminosa. Y aunque la presencia del ex guitarrista de The Smiths, Johnny Marr se manifiesta de manera subterránea, a fin de cuentas es determinante para el espíritu del disco: este es un álbum donde cada uno de los integrantes de la banda parece forzado al límite de sus capacidades; pero, el resultado es, como nunca, optimista.

Si hay un síntoma saludable en We Were Dead…, es comprobar que, a diez años de su explosión, las composiciones de Isaac Brock siguen gozando de buena salud y que la banda aún es capaz de adoptar múltiples personalidades derivadas de sus diversos alteregos. Acá convergen el Brock sensible y reflexivo de ‘Parting on a Sensory’, el esquizoide despechado de ‘March Into the Sea’ (“trátame como al mar, soy tan salado”, le implora a su ¿ex? novia) y el eterno deudor de las texturas rítmicas de Talking Heads en ‘Education’. La evolución de Brock como compositor y frontman alcanza su mejor versión cuando es capaz de desdoblar sus personajes en una sola línea (como en la excelente ‘Florida’, que comparte con James Mercer de The Shins). Sin embargo, aquí no se adapta a un formato de single estilo ‘Float On’. Lo más cercano a eso es ‘Dashboard’, quizás el único pasaje donde Brock no tiene escrúpulos en explorar sonidos más digeribles y comerciales.

Pese a que su presencia es más prominente en algunas canciones que en otras, varios de los puntos más altos del disco están determinados por la impronta de Johnny Marr. Si bien es cierto, We Were Dead… es un disco 100% Modest Mouse, buena parte del nuevo ropaje viene de espíritu del ex Smiths. El groove de ‘Fly Trapped in a Jar’ parece sacado de una discoteque post punk de Manchester; los arreglos de la melancólica ‘Missed the Boat’ tienen su sello escrito a fuego. Y la notable ‘We’ve Got Everything’ recuerda al espíritu de ‘Barbarism Begins At Home’ del clásico Meat is Murder. Si We Were Dead es uno de los discos más poppy de Modest Mouse, en buena parte es por cortesía de Marr.

Si bien We Were Dead puede ser un disco odiado por los primeros fans de Modest Mouse, para otros puede ser el álbum concluyente que la banda había prometido toda su carrera. Lo cierto es que aquí la banda da otro paso en la constante experimentación que la ha mantenido por una década como uno de los máximos referentes indie en Norte América. Sin la genialidad de su antecesor, We Were Dead… es un puñado de canciones sólidas y convincentes.

Tracklist:

"Dashboard"
"Fire It Up"
"We've Got Everything"
"Education"
"Invisible"
"Missed The Boat"
"Steaming Genius"
"Spitting Venom"
"Florida"
"Parting of the Sensories"

Pink Floyd en Buenos Aires, perdón, Roger Waters.

Nadie se esperaba ver algo así, probablemente el show más conceptual que piso Argentina desde los legendarios "Popmart" de U2.

A pocos artistas en la historia del rock se le haría tan fácil vivir de viejas glorias como a Roger Waters: los clásicos de Pink Floyd están tan insertos en la memoria del público que tranquilamente podría salir a tocarlos en piloto automático, llenar estadios, embolsar toneladas de morlacos y, de todos modos, dejar a la gente satisfecha.

Más aún: los temas de su ex banda se prestan especialmente para la interpretación desganada, teniendo en cuenta que emplean la frialdad como una virtud, y quien los toque no tiene necesidad de demostrar ningún brío juvenil (pensemos en, por ejemplo, Led Zeppelin como antítesis de esto). Sumémosle a todo esto que Roger nunca se caracterizó por su carisma y su buena onda, por lo cual todo el mundo aceptaría un show parco con, digamos, una pared entre él y su audiencia. Tenía miles de excusas para jugar parado e igualmente ganar.

“Conmovedor”, esa palabra que tan impunemente suele usarse en las reseñas de recitales de rock, puede aplicarse aquí en varios sentidos diferentes. Primero está la conmoción psicodélica, ese placer indescriptible que da perder la noción del tiempo.

Una distorsión se multiplicó en cada rincón del estadio de River Plate. La batería dio los primeros golpes de "In the Flesh", apenas siete minutos después de las 22. Sin preámbulos, ni esperas que desesperan, con la simpleza de quien se sabe poseedor de algo grande entre manos, apareció Roger Waters, disparando las notas de su bajo. De pantalón y remera negra, el fundador de Pink Floyd ofreció el sábado 17 de marzo ante 50 mil personas el concierto enmarcado en la gira mundial "The Dark Side of the Moon".

Un simple "gracias" fue el primer contacto con el público y fue suficiente. Una lluvia de fuegos artificiales dio paso a "Mother", el segundo tema de la noche (ambos del disco "The Wall"), que entonó con su voz grave e inalterable pese al paso del tiempo.

Fue con "Shine on You Crazy Diamond" cuando miles de burbujas comenzaron a caer sobre los privilegiados del campo VIP. Para el resto: tres pantallas de alta definición y el sonido cuadrafónico que, hay que decirlo, hizo del show algo único.

La primera parte duró cerca de una hora y media, entre inmensos fogonazos a los costados del escenario, mientras sonaban "Have a Cigar" y "Wish you Were Here", a la que no le faltó ni siquiera el sonido del viento para hacer realidad un par de sueños por un rato.

También se dio el gusto de estrenar un tema, "Leaving Beirut", inspirado en un viaje que hizo a los 17 años por Medio Oriente. Como lo hizo en cada conferencia de prensa durante su gira por Latinoamérica (finaliza en Brasil), Waters se despachó contra las injusticias sociales y varios líderes políticos.

Uno de los momentos culminantes fue cuando surgió en escena el cerdo inflable gigante, que recorrió por el aire el campo de juego, sobre el público, y que ostentaba leyendas sobre cuerpo como “Kafka rules. Ok” y “Encierren a Bush antes que nos mate”.

Otras frases fueron: “Miedo. Construye. Muros” ubicada en los cuartos traseros del rosado globo gigante.

En el pecho se leía “Libertad al fin”, y del lado derecho se pintó: “Videla.Galtieri.Thatcher.Bush, todos dan asco”, leyendas sugeridas al músico antes de su presentación, mientras Waters y su banda interpretaban “Sheep”.

Además, el enorme globo con forma de cerdo tenía cubierto el lomo de graffitis con consignas argentinas como: “¿Dónde está Julio López? Desaparecidos. Nunca más”, y una línea punteada sobre el cuello del muñeco con la frase “Corte aquí”.

En el segundo tramo del recital y tras un intermedio, Waters, de muy pocas frases al público, agradeció y dio la bienvenida al inicio de su recital, ejecutó completa su obra “El lado oscuro de la luna”, disco que en 11 años permaneció entre los 200 mas vendidos en el mundo.

Así pasaron “The Dark side of de Moon” (1973), “Speak to me”, “Breathe”, “On the rum”, “Time”, ”The great Gig in the Sky“, ”Money“, ”Us and them“, ”Any colour you like“, ”Brain damage“ y ”Eclipse“, acompañados por videos alusivos a cada tema y al disco en si.

Para el último tema colgaron del techo frente al escenario una enorme pirámide de la que surgían humo y dos rayos láser, recreando el legendario prisma que decoró la tapa del álbum.

En los bises, Waters hizo entrar a jóvenes que presentó con la frase en castellano: “Ahora le damos la bienvenida al coro de chicos de River”, recibidos con aplausos.

Los coristas lucían una remera negra con la leyenda “El miedo construye paredes” y acompañaron a Waters en el estribillo de “Another Brick in the Wall” (parte II de The Wall-1979), tema al que le siguió “Bring the Boys Back Home” (1979) y el cierre fue con “Comfortably Numb” (The Wall-1979).

“Gracias. Son un público maravilloso”, dijo Waters mientras se despedía de los enfervorizados seguidores, en un concierto que convocó a los fans de Pink Floyd de todas las generaciones.

Lo que se vivió en River el sábado es una experiencia que trasciende lo musical. La impresión que flotaba entre los presentes era la de integrar un selecto club de iniciados, un grupo minúsculo y a la vez masivo que todavía cree que el rock es mucho más que ruido o una excusa para emborracharse. Es inevitable sentirse esperanzado al ver a más de 50 mil personas (padres, hijos, familias enteras) parándose tan al margen del mercado, aún cuando sepamos que lo más probable es que el paso de los días nos devuelva violentamente a la realidad. Con todo, un millonario cincuentón británico pasó y se desvivió para sacudirnos, cuando tranquilamente podría haber cumplido, cobrado y marchado a Brasil.

Entre los asistentes al concierto (que fue de alto contenido intelectual) se veían muchas camisetas de los Pink Floyd de Gilmour ("Division Bell", "Pulse", etc.) pero todos los que salimos de ese concierto nos fuimos con una sola idea en la cabeza... "Si Pink Floyd tiene alma se llama Roger Waters".

Miles Davis - Bitches Brew

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"¿Jazz, rock, underground, clásico? Me niego a compartimentar los géneros. No es así como contemplo la música. Parto de una base completamente diferente. Cuando alguien que se considera aficionado al jazz me dice que ya no toco jazz, me quedo perplejo. Nunca decido qué tipo de música voy a tocar, sencillamente porque nunca he pensado que la música se divide en diferentes categorías. Además, ¿cómo es un aficionado al jazz? Por lo general, es alguien que siempre quiere oír los mismos viejos tópicos. ¿Por qué? ¿Acaso siempre lleva la misma ropa? ¿Sale siempre con la misma mujer? ¿Va siempre con la misma gente?"

Esto decía Miles Davis en 1971. Un año antes, había revolucionado y horrorizado al jazz con Bitches Brew, un álbum que proponía una verdadera ruptura con los cánones del jazz, a la vez que marcaba una apertura que enriquecería de allí en más un nuevo subgénero: el jazz-rock. Si bien Davis ya trabajaba su música a partir de instrumentos eléctricos y con una importante posproducción en sus dos álbumes anteriores, los exquisitos Filles de Kilimanjaro e In A silent Way, es con Bitches Brew con lo que la aventura se convierte en extensas improvisaciones sin destino definido. Pura ruptura. Un cambio radical con el cual el trompetista se ponía nuevamente un paso delante de sus contemporáneos. Mucho público del jazz lo abandonó por "venderse" al pop, y ganó un público mucho mayor: el del rock de esos años. Bitches Brew es el álbum más vendido en la historia del jazz.

Para ese entonces, Davis ya se había acostumbrado a renovar (como mucho, cada dos años) la formación de sus bandas. En general, convocaba a músicos jóvenes en los que él adivinaba el talento ideal para poder darle forma musical a su imaginería. También había escuchado a Jimi Hendrix ("Miles Runs the Voodoo Down", es una suerte de homenaje al guitarrista), y estaba fascinado con el bajo eléctrico, los teclados, el piano Rodhes, la guitarra eléctrica y las facilidades que presentaban las por entonces nuevas técnicas de grabación.

El experimentado y reconocido trompetista ya había transitado todas las modas que se habían cruzado en su carrera: bebop, hardbop, cool, jazz eléctrico y diversas fusiones. (Lo seguiría haciendo las dos décadas siguientes hasta llegar al último álbum de su vida, Doo Bop (1991), en el que comenzó a coquetear con el hip hop.)

El bienio 1969/70 es un hito en la búsqueda de nuevas formas expresivas. De hecho, el tema "Bitches Brew", de 26 minutos de duración, es lo más logrado en ese aspecto: no hay arreglo ni melodías ni ritmos bailables ni letras fáciles de retener. Todo es una confluencia de sensibilidades que a cada escucha obtiene reacciones distintas.

Ese mismo año, 1970, participó en el Festival de la Isla de Wight. Tras una actuación de 38 minutos ininterrumpidos, al bajar del escenario le preguntaron cómo se llamaba esa música. "Llámala como quieras", dijo. Había marcado el comienzo de un nuevo camino.

Wilco - "Sky Blue Sky" [2007]

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El próximo 14 de mayo Wilco publicará el sucesor de "A Ghost Is Born", el quinto álbum del grupo liderado por Jeff Tweedy llevará por título "Sky Blue Sky".

Este último disco del señor Jeff Tweedy y compañía demuestra que el rock más elegante que existe en la actualidad viene bajo la etiqueta de Wilco. Sonidos sencillos, suaves y puros para construir una música emocionante con momentos de lujo.

Doce canciones que bien retratan la estacionaria conciencia colectiva que se carga esta banda hoy en día. Sky Blue Sky es un disco que bien podría pasar a la historia por su gentileza poética y musical. Guitarras que deleitan al oído más exigente y lírica compuesta en la que posiblemente sea la hora mas fina de Jeff Tweedy.

Este álbum en específico es la respuesta natural de lo que la escena independiente de hoy en día ha traído consigo tras una oleada inminentemente irracional: conciencia individual sin prejuicios y sin pretensiones.


Track list:

1.- Either way
2.- You are my face
3.- Impossible Germany
4.- Sky blue sky
5.- Side with the seeds
6.- Shake it off
7.- Please be patient with me
8.- Hate it here
9.- Leave me (like you found me)
10.- Walken
11.- What light
12.- On and on and on

Lo "Nuevo" de Guns N' Roses

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Desde que se separaran allá por 1996, Axl Rose viene amagando por sacar un disco bajo el nombre de Guns N' Roses pero sin sus compañeros de siempre.

En 1998 Axl Rose volvió a los estudios acompañado por el batería Josh Freese (de the Vandals), el bajista Tommy Stinson (integrante de The Replacements), el guitarrista Robin Finck (integrante de Nine Inch Nails), el guitarrista Paul Huge (aka Paul Tobias), y el tecladista Dizzy Reed.

En 1999, el grupo sacó una nueva canción, Oh My God, que fue incluida en la banda sonora de El fin de los días. Esta canción era el preludio del nuevo disco, Chinese Democracy. GNR también sacó a la venta Live Era 87-93, un recopilatorio de la formación original del grupo grabada entre 1987 y 1993 en distintos conciertos. A finales de ese año, Finck volvió a Nine Inch Nails a grabar "Fragile."

En el año 2000, el excéntrico guitarrista Buckethead se unió a Guns N' Roses.



La nueva formación volvió a los escenarios en enero de 2001 con dos grandes de gran expectación, uno en Las Vegas y otro en Río de Janeiro. Formaron parte Axl Rose, los guitarristas Buckethead, Robin Finck, y Paul Huge, el bajista Tommy Stinson, los teclistas Dizzy Reed y Chris Pittman, y el batería Brain (integrante de Primus), el grupo tocó una mezcla de éxitos anteriores y nuevas canciones de su esperado disco. La formación hizo dos conciertos en Las Vegas a finales de 2001. Durante 2002, el guitarrista Paul Huge deja el grupo y es substituido por Richard Fortus, integrante de Love Spit Love. El grupo celebró varios conciertos en agosto de 2002, incluyendo conciertos en Asia y Europa, y volviendo a New York para su repentina aparición en los MTV Video Music Awards.

La primera gira del grupo desde 1993 presentó problemas. El primer concierto, en Vancouver fue cancelado porque Axl no se presentó a tiempo. Se produjo un motín. La gira siguió como estaba prevista y tuvo resultados diversos. Algunos conciertos no llenaron lugares pequeños, mientras que algunos como los de New York o Boston vendieron todas sus entradas en minutos. Debido a la no comparecencia de Axl en Philadelphia y el resultado del motín de provocado por los fans, Clear Channel, el promotor de la gira, canceló el resto de conciertos. A noviembre de 2004 el grupo no ha vuelto a tocar desde el concierto del 5 de diciembre de 2002 en el Madison Square Garden en Nueva York.

Informes del grupo de 2001 y 2002 decían que Chinese Democracy sería lanzado a finales de esos años por Interscope/Geffen Records, con quienes parecía que habían arreglado las diferencias (si es que las hubo). A pesar de las protestas de Rose, legales y de otra índole, Geffen sacó a la venta Guns n' Roses' Greatest Hits el 23 de marzo. También Cleopatra records sacó el disco "Hollywood Rose: The Roots of Guns N' Roses" a principios de verano. De nuevo, Rose no pudo parar este lanzamiento.

En 2002, Q magazine nombró a Guns N' Roses en su lista de "Los 50 Grupos que deberías ver antes de morir", también en una sub-lista de los "5 grupos que pueden evolucionar de cualquier manera".

En marzo de 2004 Buckethead deja la banda, obligando a Axl Rose a cancelar el concierto del 30 de mayo en el Rock in Rio 4 (Lisboa, Portugal), incorporándose posteriormente a la banda, sustituyéndole, Ron Thal "Bumberfoot", desde mediados de 2006.

Durante los meses de mayo y junio de 2006 los nuevos Guns N' Roses han actuado, tras un precalentamiento de 4 conciertos en Nueva York (en la prestigiosa Hammerstein Ballroom), en varios países europeos, comenzando el día 25 de mayo de 2006 en Madrid y siguiendo el día 27 de Mayo en el Rock in Rio de Lisboa (en la votación de la página web del evento Guns N' Roses fue el grupo con más votos para ser incluido en el festival), para presentar (de nuevo) el nuevo disco (que finalmente según declaraciones de Axl en la radio saldrá por fin a finales de otoño), para posteriormente actuar en Inglaterra, Hungría, Alemania, 2 veces más en España (Bilbao y El Ejido), Italia, Polonia, Rep. Checa, Bélgica, Suecia, etc.


El escandalo, sin embargo, no abandona a Axl Rose, que se peleó en Mayo de 2006 un pub neoyorquino con el afamado diseñador Tommy Hilfiger (al cual posteriormente le dedicaría la canción "you're crazy" en un concierto acustico en el cumpleaños de la actriz Rosario Dawson), así como fue detenido a principios de Julio de 2006 en Suecia a altas horas de la madrugada en estado ebrio tras pelearse e incluso morder a guardias de seguridad de un establecimiento nocturno...

El nuevo disco titulado por Axl Rose como "Chinese Democracy", con nueva fecha para el otoño americano del año 2006, tendría incluidos nuevos trabajos de larga duración y complejidad, entre ellos; There Was A Time, Better, I.R.S. y Catcher In The Rye (este ultimo con la colaboración de Brian May), que ya fueron presentados durante el tour europeo y norteamericano en el transcurso del año 2006.

Basicamente, en este tour mundial revisan en casi su totalidad el repertorio de "Appetite for Destruction", más algunas canciones de "Use Your Illusion" junto la presentación de algunas de las nuevas canciones de "Chinese Democracy". Cuenta además con las intervenciones en casi todos los conciertos de los invitados Sebastian Bach (ex vocalista de Skid Row) y el "ex" Izzy Stradlin.

A partir del 20 de Octubre Guns N' Roses regresa para dar una gira por Norte America (cuyas fechas warm-up fueron realizadas en Las Vegas, San Francisco y Los Angeles en el aniversario de la emisora KROQ). Además, el pasado 29 de Septiembre se lanzo la nueva página oficial gunsnroses.com con junto al sistema de reservas de la MLB.com para la venta masiva de boletería para la gira norteamericana. Distinto rumores que se han publicado dicen que tal vez "Chinese Democracy" salga un martes de diciembre de este año pero no está confirmado.

En noviembre de 2006 se sumó a la banda el baterista Frank Ferrer para reemplazar a Brian Mantia, quien había tenido un hijo hacia algunas semanas. Posteriormente, se confirmaría que Guns N' Roses actualmente cuenta con dos bateristas. Finalmente, La ultima fecha tentativa de lanzamiento estaba fijada para algun martes antes de que finalizara el 2006 ( amparados en los rumores que surgían desde la revista Rolling Stone), sin embargo, el abum no sería lanzado este año tampoco.

El 15 de Diciembre de 2006, Axl Rose publica una carta abierta en el sitio oficial de Guns n roses y por primera vez en muchos años, se arriesga a anunciar una fecha oficial para el lanzamiento del album:6 de marzo de 2007. Rose también deja ver que esta fecha es aproximada, afirmando lo siguiente: " "Esta es la primera vez que programamos una fecha para este álbum. Otras fechas que han circulado fueron inventadas por otros, por sus propias razones.
"Ahora, queremos asegurarles a los fans que trataremos de hacer todo lo posible para editarlo en esa fecha tentativa. Una vez que el álbum esté terminado, serán notificados de manera oficial. "Si llegáramos a retrazarnos por diversos motivos de ahora en más, serán notificados inmediatamente, y anunciaremos una nueva fecha de lanzamiento lo más cercana posible. Les agradecemos su paciencia."

Con la carta, Rose cancela varios Shows: 10 de enero de 2007 en Sacramento, 11 de enero en Bakersfield, 13 de enero en Reno, 16 de enero en San Diego. Justificando que la banda debe preparar el material que lanzará y que concentrará sus energias en el nuevo album. La carta también justifica los retrasos y pide disculpas a todos los fans en el mundo por la tardanza del album.

Y así seguimos esperando, pero mientras tanto aquí tenemos estas maquetas de adelanto del "nuevo" álbum.

Track list:

1. Better
2. I.R.S.
3. Catcher In The Rye
4. Madagascar
5. There Was A Time

20 Años Del Joshua Tree !

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Reseña

Joshua Tree es el disco más importante de U2 y uno de los más importantes de la historia del rock siendo frecuentemente elegido por la crítica especializada como uno de los mejores de la historia de la música. El lanzamiento de The Joshua Tree marcó un punto de inflexión, los convirtió en la mejor banda de rock del mundo y una de las más grandes de la historia.

Poco se puede decir ya de un álbum que cambió por completo la música de aquel momento, y que vendió la friolera de 25 millones de copias por todo el mundo. En este LP continúan con el camino iniciado en The Unforgettable Fire. La labor de Eno y Lanois ha logrado que la guitarra de The Edge evolucione hacia nuevas dimensiones, la base rítmica cumpla con sobrada efectividad su trabajo y la voz de Bono adquiera la madurez definitiva, con matices que llenarán cada uno de los versos del disco.
Los temas que trata U2 siguen siendo los mismos que en otras ocasiones; la espiritualidad, aunque entendida de distinta forma a como lo hacían en October, y el compromiso político que empezaron a adquirir en War.

Ediciones especiales

En Suecia, se imprimieron copias de The Joshua Tree en amarillo, rosa y verde, con la misma portada que en el Reino Unido. La edición en rosa es la más común de las tres. En Méjico, una edición en CD fue publicada como parte de la colección Millenium con una portada diferente.
Ya en 1999, se publicó una edición en CD especial con la portada dl vinilo original (la portada en CD era ligeramente diferente, un poco difuminada).

El disco en datos

The Joshua Tree ha sido también el disco más vendido en la historia de U2.
Antes del lanzamiento hubieron grandes colas y en menos de 48 horas se agotaron todas las existencias en UK, convirtiéndose en el disco más vendido de la historia en su primer fin de semana.
Joshua Tree fue No. 1 en 22 países como España, Reino Unido, Canadá, Australia... en Suiza llegó a estar 33 semanas consecutivas en lo alto de las listas. En Estados Unidos entró en el puesto 7, aunque después estuvo en el primer puesto durante nueve semanas. Era el primer disco en llegar al No.1 en los Estados Unidos.
En 1999, The Joshua Tree fue consiguió el disco de Diamante, la más alta certificación en ventas, con 10 millones de copias vendidas.

U2 ganó tres Grammy en el 1987 por el disco: "Album Of The Year", "Best Rock Performance by a Duo or Group" ( este último por I Still haven't found what I'm looking for) y"Best Video Short Form" por Where The Streets Have No Name.
Los lectores de Rolling Stone votaron the Joshua Tree como Mejor Álbum y Mejor Portada.

Comentarios

‘Muchas canciones son las que grabamos en la habitación de Larry o el salón de Ada. Cuando la luz roja se enciende no solemos responder. Cuando simplemente nos dejan hacer, componer la múscia a nuestra manera, muchas de las canciones eran como maquetas. Tuvimos que luchar para hacerlas funcionar y hay muchas canciones en el camino, y podría haber ido en muchas direcciones diferentes. Nosotros teníamos la idea de un disco como un todo'
Bono, Marzo 1987

Curiosidades

Desde que se escucharon los primeros rumores de la publicacion de "The Joshua Tree" siempre se insistia en que el disco seria doble. Al salir a la luz vimos que no era así. Pero tenemos datos que apuntan a que si que lo era. Se publico un caja con tres singles titulada "The 7 Missing Tracks" (Las siete pistas perdidas). Incluso en algunas entrevistas, Bono declarabó que canciones como "Luminuos Times (Hold On To Love)" o Walk To The Water" eran continuacion de "With Or Without You", y que no se podían entender sin escuchar la trilogía completa.
Esta que sigue es una hipotética lista completa del doble album que pudo ser "The Joshua Tree":



Para la grabación de "Bullet the blue sky" la banda tenía dos finales de canción. Uno de ellos era Outside is the world (fuera esta el mundo) y el otro el que finalmente se publicó, acusando a los EEUU, Outside is America. Al parecer el que tomó la decisión final fue el propio Paul McGuinness.

La actriz de television Rebecca Schaeffer fue asesinada en 1989 por Robert John Bardo (21 años). Robert, fan de U2, aseguro en su defensa que el motivo que le llevo a cometer el asesinato fue la cancion "Exit", en particular la estrofa "pistol weighing heavy".

Notas
Producido por: Daniel Lanois y Brian Eno
Edición adicional: Dave Meegan con Pat McCarthy
Estudio: Windmill Lane, Dublin Ireland
Mezclado por: Steve Lillywhite
Grabado por: Flood

© 1987 Island Records, Inc.

Fuente: U2 East Link


Critica de Rolling Stone Usa.
5 Stars !

Los pasos que hay que dar son enormes, y U2 lo sabe. Su último álbum, The Unforgettable Fire, contenía "Pride (In the Name of Love)", su tema más exitoso de la historia, y el año pasado la banda fue el corazón musical de la gira del Amnesty International´s Conspiracy of Hope. Ahora, parece que U2 está por elevarse del nivel de los meros grupos de platino al aire más rarificado que hay encima. Para una banda que siempre se especializó en gestos inspirados, grandilocuentes -una banda decidida firmemente a ser Importante- The Joshua Tree podría ser algo muy importante, y así es precisamente cómo suena.

Eso por no decir que este disco es o bien una flagrante movida comercial o un nuevo Born in the U.S.A. The Joshua Tree es el álbum más variado, sutil y accesible de U2, aunque no contiene ningún hit seguro. Pero en su rudeza musical y en su espiritualidad de espíritu fuerte, el álbum le hace honor a su nombre: un árbol sólido y retorcido que crece en los desiertos rocosos del suroeste norteamericano. Una leyenda mormona cuenta que los primeros pueblos que se asentaron allí le decían "la planta de los rezos" al árbol de Josué, porque sus ramas enroscadas simbolizan al profeta Josué del Antiguo Testamento señalando el camino hacia la Tierra Prometida. El título da nombre a un disco que habla de la resiliencia en medio de la desolación social y política, un disco inmerso en la imaginería religiosa.

Desde que U2 surgió en Dublín en 1980 con su marca personal de rock emocional basado en guitarras, sus álbumes vienen siguiendo un patrón. El primero y el tercero ( Boy y War ) eran musculares y afirmativos, llenos de bravura juvenil y furia social, respectivamente. El segundo y el cuarto ( October y The Unforgettable Fire ), álbumes de estudio, eran espirituales y zigzagueantes, y a veces con más ideas que canciones potentes.

Pero The Joshua Tree no es un regreso al fuego de War. La banda hizo eso hace unos años: canciones como "Sunday Bloody Sunday" y "New Year´s Day" llegaron con una fuerza imponente en el álbum de 1983 y la gira consecuente. Pero U2 se encontró con el peligro de convertirse en una banda arengadora de estadios más, entonces el grupo cerró ese capítulo con un álbum en vivo y un video. La banda decidió cambiar a su productor de siempre, Steve Lillywhite por Brian Eno y Daniel Lanois y, con The Unforgettable Fire, declaró su intención de no ser más implacablemente heroica.

En el nuevo álbum, U2 continúa trabajando con Eno y Lanois, incluye a Lillywhite en la mezcla de cuatro canciones y moldea las diversas texturas de The Unforgettable Fire en canciones bien formadas, muchas de las cuales son tan agresivas como los hits de War. Las marcas personales sónicas de U2 están aquí: la angustia monumental de la voz de Bono, el pulso potente del bajo de Adam Clayton y los parches de Larry Mullen, y el aullido estremecedor de la guitarra de The Edge. Pero para cada predecible rugido de himno hay un tema más liviano, arreglado con inventiva, como "With or Without You", un bolero rock & roll que se construye en base a un comienzo suave y un clímax resonante.

La banda sigue cayendo en algunas viejas trampas: la voz perpetuamente ronca de Bono puede sonar sobreactuada y egocéntrica; algunas de las imágenes (como el fuego o la lluvia) comienzan a perder fuerza tras una docena de usos; y "Exit", un psicodrama recitado sobre un asesino, es lo suficientemente extraña como para recordarnos que ni siquiera Patti Smith puede lograr regularmente este tipo de cosas.

De todos modos, más que ningún otro álbum de U2, The Joshua Tree tiene el poder y el carisma necesarios para seducir y capturar a un público masivo en sus propios términos.

Sin hacer exhibicionismo de su eclecticismo, el disco incluye rock afirmativo ("Where the Streets Have No Name"), frenesí crudo ("Bullet the Blue Sky"), delicadeza ("One Tree Hill"), ritmos pegadizos ("I Still Haven´t Found What I´m Looking For") e incluso climas de blues acústico ("Running to Stand Still") -todo, inconfundiblemente U2.

Pero esto es un salto, y un salto lúgubre y sombrío. Al comienzo, declaraciones refrescantemente honestas y románticas alternan con una inquietante imaginería religiosa. Luego las cosas se ponen más negras. La furiosa y melodramática "Bullet the Blue Sky" une el fuego bíblico y sulfúrico con la violencia en los Estados Unidos y en su país de origen. En el rock rítmico y armónico de "Trip Through Your Wires", lo que parece la salvación podría fácilmente ser seducción diabólica; "One Tree Hill" es una bendición suave y encantadora para un integrante del equipo técnico de U2 quien murió en un accidente de motocicleta; y "Red Hill Mining Town" tiene ecos de "Don´t Give Up" de Peter Gabriel en su profunda mirada hacia las relaciones personales arruinadas por las crisis económicas -aquí, como consecuencia de la extensa y fracasada huelga de mineros británicos en 1984.

Pero con toda su sordidez, el álbum nunca es una diatriba de golpes bajos. Después de escuchar varias veces "Running to Stand Still", por ejemplo, se percibe la notoria música: el inesperado blues del slide de guitarra, los suaves quejidos estilo Nebraska, la fantasmal armónica. Suena como un sueño adorable y pacífico, excepto que este es el sueño de un drogadicto, y cuando uno se da cuenta de eso, la amable canción de cuna adquiere un poder corrosivo que recuerda a "Bad", de su último LP.

The Joshua Tree es una apropiada respuesta a la época, y un cuadro de situación que ningún U2 ha pintado antes: la visión de las esperanzas acabadas, la violencia sin sentido y la angustia. Pero esta no es una banda que se rinde ante el destino. Su último álbum terminaba con una grandiosa elegía a Martin Luther King Jr.; The Joshua Tree cierra con una hechizante oda a otras víctimas. "Mothers of the Disappeared" está construida en torno a desoladas imágenes de pérdida, pero el mensaje es de consuelo y restauración, una música de una enorme tristeza pero también de una indecible compasión, aceptación y calma. Este álbum se podría llamar The Unforgettable Chill [el escalofrío inolvidable], e inolvidable es sin dudas la palabra correcta.
Un álbum para no olvidar nunca y para recordar por siempre.

Por Steve Pond - RS 497 - 9 de abril de 1987

Adiós al "Darno"

Esta madrugada, a los 53 años, falleció Eduardo Darnauchans, un “songwriter” -como él gustaba definirse- de la música popular uruguaya. Con más de 30 años de trayectoria “El Darno” fue una de las figuras centrales de la música nacional por su particular estilo de composición e interpretación. Hacía tiempo enfrentaba problemas de salud que el año pasado provocaron una prolongada internación, a raíz de una operación de cadera.

Su discografía comenzó en 1972 con "Canción de muchacho", luego vino "Las Quemas", en 1974, y su consagración se dio con "Sansueña", en 1978. En 1980 grabó "Zurcidor", "Nieblas & Neblinas", en 1984, "El trigo de la luna", en 1989, "Noches blancas", en 1992, "Entre el micrófono y la penumbra" (en vivo, en 2001 con la producción de Fernando Cabrera), "Canciones Sefaradíes", también en vivo en 2004 y "El Ángel Azul", su último trabajo, en 2006.


Eduardo Darnauchans - Sansueña (1979)

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"Espíritu MLK"

Bono recibió el pasado viernes 2 de marzo un premio por su contribución a la lucha contra la pobreza, en la 38ª edición anual de los NAACP Image Awards en Los Ángeles.

No pudo ser más emocionante la ovación atronadora que recibió Bono durante su gran discurso. Unas palabras que servían de homenaje a MLK y que el público supo valorarlas como se merecían. Bono se refería a MLK como un "hombre que rechazó el odio porque sabía que el amor haría un mejor trabajo.”

El espíritu del Reverendo se hizo presente cuando la oratoria del irlandés culminó con declaraciones del "estilo King". Cada una de ellas comenzando con “Dios es…” mientras Bono ponía más y más énfasis en cada una de las frases, no dejándose ahogar por un público emocionado que, de pie, contestaba con aplausos al mejor discurso de la noche y uno de los más efusivos de Bono.


Discurso completo

Uauhh! Tyra Banks, eres preciosa... Fui finalista en el concurso para elegir a la próxima top-model de Irlanda. Sigo tus pasos, literalmente.

Me siento muy honrado por compartir el escenario con el gran Julian Bond, gran artista. Cuando la gente habla de la grandeza de América, pienso en la gente de la NAACP. Estoy muy orgulloso de estar en el mismo escenario que los otros premiados, como Bill Cosby y Prince.

Crecí en Irlanda, cuando mi país estaba dividido por la religión y por el sectarismo. La gente joven como yo alucinaba con la idea de que los pobres tuvieran un Papa para la América negra. La imagen de un reverendo de color de Atlanta, un hombre que rechazaba el odio porque sabía que el amor conseguía más cosas, esas ideas llegaban lejos y me alcanzaron. Se encerraron en mi cabeza como una canción. No podía quitármelas. Era la Irlanda de los 70 y gente como yo miraba al otro lado del océano, hacia la NAACP, y ahora estoy aquí. Es genial. Es realmente genial.

Hoy el mundo mira otra vez hacia la NAACP. Necesitamos que esta comunidad hable al mundo sobre los derechos civiles y que le enseñe algo acerca de los derechos humanos. Hablo del derecho a vivir como un ser humano. Cuatro mil quinientos personas mueren cada día en África por culpa del sida, una enfermedad prevenible y tratable. Casi un millón de africanos, la mayoría de ellos niños, mueren cada año por culpa de la malaria, mueren por culpa de la picadura de un mosquito. No estamos hablando de caridad en esta sala, estamos hablando de justicia e igualdad.

Sé que América no ha solucionado todos sus problemas. Sé que el sida sigue matando a gente aquí, en América. Me he reunido con representantes de la comunidad afroamericana en una iglesia de Oakland, la mayoría de ellos jóvenes hombres y mujeres. Quería ver a esa gente y Barbara Lee me llevó hasta ellos. Puedo decir que fue la poesía y la ira justificada de la gente de color de esa iglesia lo que me ha inspirado a mí, un hombre blanco, casi rosado, criado en Dublín. Esta es la auténtica religión. La verdadera religión no nos permitirá dormirnos en el confort de nuestra libertad. ‘Ama a tus semejantes’ no es una especie de consejo, es un mandamiento. Y eso significa mucho. Eso significa que en la ‘aldea global’ tendremos que amar a muchísima más gente. Eso es lo que significa.

Dos millones de ciudadanos americanos se han unido a la campaña ‘One’ para poner fin a la pobreza. Esta noche la NAACP se ha unido a esta causa y eso mismo podéis hacer vosotros. La verdad avanza, porque el lugar en el que naces no debería decidir si debes vivir o debes morir. Para todos aquellos de la iglesia que todavía buscan justicia por la emergencia humanitaria del sida, dejadme ser el Papa sólo un momento. Porque cualquiera que sea el sentimiento que tengamos respecto a Dios, quién es o incluso si existe, la mayoría de nosotros estará de acuerdo en que Dios tiene un lugar especial para los pobres. Los pobres están donde Dios vive. Dios está en las chabolas. Dios está en los lugares donde se han perdido las oportunidades y las vidas se han roto en pedazos. Dios está con la madre que ha infectado a su hijo con el virus del sida y que cuidará de la vida de los dos. Dios está debajo de los escombros, en los gritos que oímos en tiempos de guerra. Dios, amigos míos, está con los pobres, y estará con nosotros si nosotros estamos con ellos. No dejéis que nadie os diga que no se puede hacer. Podemos ser la generación que acabe con la extrema pobreza. Gracias.

Fuente: U2Spain.com

Video del discurso:


Homenaje de "The Roots" a Bono:

Arcade Fire - Neon Bible [2007]

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No es fruto de la casualidad que el título del nuevo disco de Arcarde Fire sea idéntico al de "la otra" novela de John Kennedy Toole, el malogrado autor de "La conjura de los necios". Para quien lo desconozca, Toole se suicidó en 1969 tras la negativa de unos editores a publicar La conjura, libro que, consideraron, no trataba de nada. En 1980 conseguía el premio Pulitzer. Mucho tiempo antes, siendo todavía un adolescente, escribiría La Biblia de Neón, una crítica satírica de un pueblo dominado por el fanatismo religioso. Rodeados de este mismo halo de desgracia, tremendismo y dolor, y la apoteosis acústica que ya acompañó su disco debut, Funeral, regresan de nuevo los canadienses.

Las nuevas y emotivas canciones que se incluyen en Neon Bible fueron concebidas en una pequeña iglesia del siglo XIX situada a las afueras de Montreal, grabadas en directo al estilo de los viejos discos de los 60 y con la colaboración del legendario productor Bob Johnston (responsable del Blonde On Blonde de Bob Dylan o Songs Of Love And Hate de Leonard Cohen, por poner dos ejemplos).

Como en Funeral, conforman el esqueleto musical del disco diversos instrumentos como organillos, bombos de metal, acordeones, flautas e, incluso, un órgano de iglesia. Como en su disco debut, detrás esos sonidos repletos de vitalidad y épica (bien entendida) encontramos una letras plagadas de historias oscuras y trágicas.

Basta escuchar el primer corte, Black Mirrow, y continuar a modo de montaña rusa hasta el último, My Body is a Cage, que, curiosamente, dio pie a todos los demás. De nuevo, los canadienses son capaces de deleitarnos con momentos realmente sublimes, es el caso de Black Waves / Bad Vibrations o The Well And The Lighthouse.

Para los amantes de las curiosidades, destacamos la recuperación de la preciosa e imprescindible No Cars Go (editada anteriormente en su primer EP) y, sin duda, una de los mejores canciones que ha compuesto el combo canadiense.

Peter, Bjorn and John

Falling Out [2005]



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Con casi una década de bagaje a sus espaldas, Peter, Bjorn and John facturan un angular sonido de abiertos horizontes que se mira en el power-pop para atacar un tímido indie-rock. Con su portada-homenaje al tercer disco de The Velvet Underground, “Falling Out” se presenta como el disco de Peter Bjorn And John que mejor plasma su sonido en directo.

Ellos funcionan así: Peter, guitarra y voces, es el punk-folk-rocker de la banda; John, batería, pone el punto arty en el combo; y Bjorn, bajo y teclados, es quien tiene la puntería puesta en la producción de los hits.

En “Falling Out” las guitarras new-wave toman el terreno que ocupaban los pianos y órganos en su debut homónimo, y coloristas herramientas como el omnichord -instrumento estrella del disco-, los glockenspiels y los sintetizadores baratos, ornamentan humildemente las redondas canciones.
Éstas recuerdan a las espirales melódicas de A.C. Newman, al brío acústico de los primeros Squeeze y a las eufóricas ráfagas pop de The Shins, a quienes -confiesan- escucharon bastante durante la gestación de este disco.

Todas las canciones excepto ‘Far Away, By My Side’ y ‘Teen Love’ (versión de sus amigos The Concretes), suenan melancólicas y enfadadas. Las más brillantes y espaciosas son ‘Does It Matter Now’, con su arrebatador clímax de guitarras, y el baladón ‘Big Black Coffin’, a medio camino entre Wilco y el sonido Spector. ‘All Those Expectations’ arrastra la inicial calma acústica hasta el filo de unas guitarras dentadas y una afligida harmónica, mientras que ‘Tailormade’ suena especialmente amable bajo la producción de Calle Olsson. La esquelética demo de ‘Goodbye Again, Or’, que nunca fue pensada para el álbum, se convierte en el desamparado cierre perfecto.

La reedición del álbum incluye como bonus el epé “Beats, Traps And Backgrounds” al completo, grabado paralelamente al elepé en el refugio habitual de The Hives, el Studio Gröndal. Complemento ideal después del buen sabor de boca que deja “Falling Out”, aquí nos encontramos con el power pop de ‘(I Just Wanna) See-Through’, deudor de The Db’s y Buzzcocks, la improvisada jam ‘Punks Jump Up’ y la caricia de ‘Unreleased Backgrounds’ con sus samples de cine clásico.


Writer's Block [2006]

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Una banda sueca más para avergonzar al resto del mundo. Pero no solamente otra banda sueca más. Peter, Bjorn and John son tres compositores con porcentajes iguales en la creación de tres discos estupendos, el más reciente titulado Writer's Block, un secreto sumamente bien guardado que poco apareció en las listas de lo mejor del año.

Injusticias así las hay por miles en el mundo, inversamente proporcional al número de discos de esta creatividad y sencilla hermosura. Comenzando por la rockera Objects Of My Affection, con su brillante coro:

And the question is,
was I more alive then than I am now?
I happily have to disagree;
I laugh more often now, I cry more often now,
I am more me.

Uno sabe que no está en terrenos de un pop cualquiera. El disco está lleno de momentos geniales, estudiados y a la vez espontáneos. Para muestra, Young Folks, una de las mejor canciones de pop del 2006. Fuera de ser un one hit wonder, le siguen Up Against a Wall, Paris 2004 y la intrigante The Chills.

La música sueca lleva mínimo 10 años de refinar un sonido retro al estilo sicodélico de los Animals, Yardbirds, Kinks, mezclados con la sensibilidad armónica de Brian Wilson y los Beatles. Así nomás, de esa estatura, Peter Bjorn and John son seguramente el punto más alto en esta corriente, y Writer's Block debe ser justamente reivindicado como uno de los mejores discos del 2006, probablemente uno de los mejores de la década.

Elefant - The Black Magic Show

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Elefant es una banda newyorkina con corazón argentino (ya que el lider del cuarteto, Diego García es puramente argentino). Y como toda buena banda de New York surgida en estos últimos tiempos, los Elefant dan un paseo por el retro, el rock de garage, el post punk y la new wave. El disco posee 11 canciones que capturan el espíritu nocturno de New York. La prescencia de Don Gilmore, responsable de pulir el sonido de artistas tan disímiles como Duran Duran y Linkin Park, como productor se nota como sello en la claridad de las voces (Diego García canta a lo Bowie) y en la minuciosidad de cada instrumento.
Muy recomendables.

Snow Patrol

Sin duda que Snow Patrol, provenientes de Irlanda del Norte (pero formados en Escocia), se dejó influenciar por las melodías de Radiohead y U2 para crear sus propias canciones.
En 1994, Gary Lightbody y Mark McClelland forman el dúo Polar Bear, el cual tuvo que cambiar de nombre al poco tiempo porque otro músico estaba usando la misma nomenclatura, lo que hizo que los chicos se rebautizaran como “Snow Patrol”.
Más tarde se suma un baterista, John Quinn, con él lanzan el disco “Songs For Polar Bears” en 1998. Con la llegada del guitarrista Nathan Connollye en el 2004, se forma el cuarteto y editan el tercer álbum “Final Straw”. El tecladista Tom Simpson, es el último en ingresar a la agrupación que en abril de este año publicó “Eyes Open”, mientras que Paul Wilson, tomó el lugar de uno de los fundadores, el bajista Mark McClelland.

Final Straw [2004]

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Ninguno de sus anteriores lanzamientos ha sido tan contundente e intencionado como Final Straw, un álbum pensado para disfrutar del pop más sosegado, del rock más simple pero efectivo y de auténticos cortes vitaminados en su justa medida sin sobrepasar esa fina línea existente entre lo épico y lo pesado.

Canciones como How To Be Dead que abre el disco, nos dice mucho de la calidad que atesora los de Dundee, un single que impregna un frío igual o similar que el nombre del grupo aunque a partir del segundo corte se impregna más energía dando más protagonismo a unas guitarras que suenan sucias en Wow.

Los tintes de pop/rock psicodélico comienza a despertar en Gleaming Auction, una de las más notables. Tras ella aparece Whatever´s Left mucho más oscura y enigmática que su predecesora con un ritmo de bajo sobrenatural mientras que Spitting Games muestra todo lo contrario.

Las baladas también están presentes en Final Straw y una de las mejores sin duda corresponde al corte número siete, Run (canción que se ha transformado en clásico), que empieza melancólica para llegar a un estribillo muy grande "Light up, light up, as i you have a choice even if you cannot hear my voice, ill´be right beside you dear".

Más cortes ciertamente melancólicos como Grazed Kness que se unen en la mitad del disco con dos canciones muy meritorias como Ways And Means y la lograda Tiny Little Fractures hasta llegar a la parte final con otra excelente manera de concebir la música en Somewhere A Clock Is Ticking para cerrar con la positiva y accesible Same.


Eyes Open [2006]

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"Hay bandas arrogantes, y grupos que van directo a la cara. Hay bandas que te atrapan de otra forma. Pienso que es algo del corazón, una cosa íntima. Como que los músicos y la audiencia se conocen mutuamente, pienso que somos uno de esos grupos".

Comenta el cantante y principal compositor de Snow Patrol: Gary Lightbody. Y la única prueba que necesitas es el nuevo disco de Snow Patrol, "Eyes Open", una colección de canciones que sigue la promesa de su predecesor del 2004, que vendió 2 millones de copias, Final Straw.

Grabado durante un tumultuoso y temperamental 2005, Eyes Open, es el trabajo de un grupo que ha escalado a las alturas de ser el telonero de U2 alrededor de Europa, presentándose en Live 8 en las sedes de Hyde Park y Escocia pero de alguna manera se mantuvo pegado al núcleo de sus valores: canciones hermosas y poderosas acompañadas de algunos de las letras más sentimentales en el rock.

"Los últimos 2 años han sido unos fenomenales. Pero cuando llegó el momento de escribir el nuevo álbum éramos muy monásticos. Era cuestión de 'nos hemos divertido.' nada de eso importa ahora. No hay que recordarlo admirando nuestras propias pisadas. En una pérdida de tiempo, a menos de que el siguiente paso sea verdaderamente excepcional".

Y así en febrero del 2005, Snow Patrol se juntó en Dingle en la costa oeste de Irlanda. El baterista John Quinn conocía bien el área y convenció al grupo que la cabaña escondida que una vez usó Kate Bush sería lo mejor para canalizar el espíritu de Snow Patrol. Lightbody y el productor Garret 'Jacknife' Lee (U2 entre otros)llegaron con tres canciones en proceso. Todo lo demás fue creado ahí, en la orilla del precipicio. "Yo buscaba el significado en todo". Comenta Lightbody. "Y si, de hecho el estudio estaba al filo de una colina con el mar chocando justo debajo de nosotros".

Snow Patrol, han estado presionados antes. Han pasado dos años desde que su inolvidable himno de amor y recuerdos "Run" fuera lanzado, llegando a la tercera posición de las listas de popularidad y dándole fuerza a Final Straw para que llegara a la tercera posición. Después de diez años juntos fue una culminación de años de fe y arduo trabajo. "Reto a cualquier grupo que no se sienta un poco abrumado," dice el guitarrista Nathan Connolly. "El mundo decide que le gustas y de repente tus héroes están en el público. Michael Stipe fue muy amable con nosotros en el festival de Isle of Wight. Pero tenemos nuestros propios balances. Sabemos cuando hacemos lo mejor que podemos". "somos muy duros cono nosotros mismos". Agrega Lightbody. "Snow Patrol no sería lo que es si no tuviéramos un núcleo interno de auto crítica y sin querer sonar como algún tipo de monje auto flagelador, lo más importante es la honestidad".

Lightbody y el baterista John Quinn son originarios de Belfast y es curioso pero se conocieron en la universidad Dundee en 1994. En 1994, ellos editaron un EP bajo el nombre de Polar Bear en la disquera escocesa Electric Money Records en Glasgow. Al poco tiempo firmaron con Jeepster Records, cambiaron su nombre a Snow Patrol y editaron dos discos Music for Polar Bears (1998) y When It's All Over we Still Have to Clear Up (2001). En el 2003 ellos firmaron con Polydor/Fiction Records (disquera que originalmente firmó a The Cure) y empezaron a trabajar en Final Straw con Garret "Jacknife" Lee, afinando su sonido distintivo.

"Una vez que lo encontramos no podíamos considerar a nadie mas. Él es como un integrante del grupo; sabe lo que podemos hacer y no nos va a dejar ir a la cama o abrir una cerveza hasta que lo logremos". Lee regresó a producir Eyes Open. La primera cosa que hizo fue sentarse con Lightbody y aplicar un riguroso ojo critico a los demos acumulados en más de dos años. El salto en el crecimiento de las ideas y el sonido de Snow Patrol rápidamente fue evidente.

La canción que le da fuerza y con la que comienza el disco "You're All I Have" retumba con un fuerte poder. Después esta la sorprendente cantante invitada, Martha Wainwright en "Set the Fire to the Third Bar". Lightbody compuso la canción casi al final de terminar de grabar el álbum y pensó que quedaría perfectamente con la voz de Wainwright. Por suerte ella estaba de gira en ese momento por Irlanda. "no creo mucho en el destino". Dice Lightbody. "Pero cuando alguien llamó para decir 'ella esta en este país y quiere cantarla.' Ese realmente fue 'un momento'".

Escucha el coro de la elite indie celta [que incluye a Eugene Kelly (The Vaselines); Charlie Clarke (Arab Strip); Jenny Reeve (Arab Strip) y Iain Archer (The Reindeer Section)], que aparecen en cuatro canciones junto con las contribuciones en teclado del integrante de The Posies/Big Star y músico con vivo de R.E.M. Ken Stringfellow.

El himno de la electrónica en la canción con la que termina el disco "Finish Line" es algo totalmente diferente pero es en la sorprendente "Chasing Cars" que el espíritu de adentro del álbum reside. "esa es la canción más abierta y pura de amor que hayamos compuesto". Dice Lightbody.

Lo que escuchas en Eyes Open, es el sonido de un grupo tocando en la cima de sus poderes. No es nada sorprendente ya que el grupo pasó la gran parte de los últimos dos años y medio de gira. Pero, también, han agregado una nueva dimensión con dos integrantes nuevos. En febrero 2005, el bajista Mark McClelland dejó al grupo. El multi instrumentalista Paul Wilson, un viejo amigo del grupo ya integrante de su alienación para conciertos, tomó su lugar. "En términos de la composición el es como tener un cerebro de repuesto". Ríe Lightbody. "Piensas '¿porqué no podemos hacer eso?' y después Paul lo hace. Él le ha dado a este álbum algo extra". Completando la alineación de cinco integrantes esta Tom Simpson. Su talento en programación y teclado han estado complementando al grupo de gira durante un tiempo y ahora es un miembro oficial, además, que él se integre al grupo en el estudio le agrega un elemento a Eyes Open.

Eyes Open, es una postal de Snow Patrol al filo de la colina. Va a ser difícil ignorar estas canciones en el futuro.

Bloc Party

La banda inglesa Bloc Party está compuesta por Kele Okereke (guitarra, voz), Matt Tong (batería), Russel Lissack (guitarra) y Gordon Moarés (bajo y voz). Vienen del este de Londres, y después de varios singles y EPs como tarjeta de presentación, por fin fijan su debut con su primer álbum el 14 de febrero del 2005 con el sello británico Wichita.

Los inicios de la banda se remontan a 2002, pero es en el 2005 cuando se gesta el primer trabajo, y se lanzan a dar conciertos fuera de su país, principalmente Europa. Los dos últimos meses de 2004 los pasaron de gira con Interpol. Esa Navidad, realizaron varias actuaciones en Japón, mientras la llegada de su álbum fue anunciada por todos los medios independientes.


Silent Alarm [2005]

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Silent Alarm incluye trece canciones post-rock, punk, que realizan un recorrido muy diverso. Temas enérgicos, alguna balada, demostrando un evidente talento que los colocará destacando sobre otros grupos. Es disco debut, y aunque la producción es buena, como tal, mantiene esa inocencia de primeros trabajos menos contaminados. En su página web como biografía nos cuentan todas sus influencias que forman un conjunto más que amplio y curioso, Neil Young, Bjork, Weezer a Sonic Youth, y un largo etcétera.

Uno de los puntos fuertes y que pasan desapercibidos en un primer análisis son las letras. Compuestas la mayoría de ellas por Kele, y a veces ayudado por Gordon.
Empezando por el hit, Banquet, con una letra que cualquiera puede sentirse identificado, sin mayor trascendencia. De mismo género, Helicópter y Positive Tension. Pero, son otras joyas como This modern love donde realizan una curiosa y bonita reflexión sobre el amor y los tiempos que corren para él. She´s hearing voices ya se explica con su propio nombre, tormentosa y aplastante.


A Weekend In The City [2007]

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Bloc Party se enfrenta con este disco al reto de superar el éxito de su primera placa discográfica. Cosa que no sería difícil si su debut, Silent alarm , no hubiera sido nombrado Disco del Año por más de un experto en 2005, como la prestigiada revista británica NME .

Como las segundas partes jamás han sido buenas, la consigna fue hacer un disco totalmente distinto, un álbum en el que la banda se convierte en más que un testigo: en un cronista de su entorno. Así se grabó en mayo de 2006 A weekend in the city, placa que a lo largo de 11 cortes relata no sólo las vivencias del grupo durante 2005, sino las de su entorno. "Un álbum inspirado sobre todo en los sonidos vivientes de la metrópolis", según relatan sus creadores.

"Uniform", por ejemplo, trata de "la apropiación de la cultura de los adolescentes, en cómo son explotados y, que no hay realmente un ambiente de adolescentes, sino son manipulados por los medios masivos, el comercio y la industria", cuenta el baterista Matt Tong.

Otro de los temas sociales abordados por Bloc Party es el suicidio, en "SRXT".
El título de la canción es "una versión abreviada del nombre del antidepresivo Seroxat", fármaco cuyo uso ha sido asociado últimamente al suicidio, dada la alta dependencia de quienes lo usan.

"Dile a mi madre que lo siento, y que la amé", es la trágica última frase de esta canción. La crónica de la juventud británica está por todo el disco.

"Where is home?" es una canción que denuncia "el crimen racial de Christopher Alaneme, un chico de 18 años apuñalado en Kent el año pasado". Alaneme, por cierto, era de origen nigeriano, al igual que el vocalista de Bloc Party, Kele Okereke.

Drogas, racismo, homosexualidad, son sólo algunos de los asuntos que alude A weekend in the city. "Siempre tratamos de liberarnos de lo que se espera de nosotros", dice Matt, a propósito de las expectativas sobre su segundo álbum.

"Definitivamente planeamos hacer un disco diferente. No queríamos hacer el mismo disco. Probablemente nuestro reto más grande ahora es seguir siendo parte de la cultura pop, y nada más arriba de eso, no llegar al punto donde querramos dejar de hacerlo."

Rage Against The Machine.

Te gustarán o no, pero definitivamente no son una banda mas, probablemente la más polémica de los 90's.
Rage Against the Machine fue concebido en 1990 por Tom Morello (guitarra) y Zack de la Rocha (cantante), junto con Tim Commerford (bajista) y Brad Wilk (baterías).
Siempre se caracterizaron por un fuerte discurso político de izquierda, por su actitud "anti-corporativa", "anti-imperialista" y por su apoyo al "Ejercito Zapatista De Liberación Nacional".
Su subjetividad sobre estos temas le ocasionaron a la banda tanto criticas como elogios, siendo la critica mas frecuente la de incoherentes por sostener un discurso de critica fuerte a las corporaciones y la cultura imperialista pero pertenecer a un sello como "Epic" que era subsidiario de nada mas y nada menos que "Sony".
Zack De La Rocha se defendía de estas criticas diciendo que la única manera de difundir sus ideas era por medio de estos gigantes corporativos y que sino lo hacían de esa manera solo tocarían frente a 50 personas que ya estaban "convertidas".

Rage Against The Machine [1992]

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Desde su portada este álbum impregna rebeldía, la fotografía es Thích Quảng Đức (monje budista vietnamita) inmolándose en protesta a el tratamiento de los budistas bajo el gobierno de Vietnam del Sur en vísperas de la Guerra de Vietnam.
Catalogado por "Q Magazine" como uno de los mejores 50 mejores álbumes de rock pesado de la historia, este álbum homónimo es uno de los discos más importantes de la década siendo revolucionario por la mezcla entre hip hop y metal.
Con los mensajes políticos que identificarían RATM durante toda su carrera, el disco logra gran repercusión y muchos discutirían de su importancia, pero su influencia en la música permanece indiscutida y no superada hasta hoy en día.
Bullet in the head, Killing in the Name y Calm Like a Bomb son solo algunas de las canciones que componen este genial disco, impregnado de mensajes sobre igualdad y rebelión.

Evil Empire [1996]

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Cuatro años después de su primer disco llega a las bateas Evil Empire, con toda la rabia y desprecio que puede generar la visión caótica que tiene De La Rocha sobre los EEUU (solo el nombre del disco da una buena idea de lo que piensa la banda del "imperio"), precedido por ese temazo llamado "Bulls On Parade".
Si bien el disco es bueno no consigue atrapar como su primer esfuerzo y muchas veces se siente mas tibio (pareciera que cada integrante va por su lado en algunas canciones) y menos relevante que el primero aunque igualmente recomendable.
El explosivo primer tercio con canciones como Bulls on Parade, People of the Sun y Vietnow es lo mejor del disco.

The Battle Of Los Angeles [1999]

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Afortunadamente en The Battle of Los Angeles, Rage vuelve a capturar la magia, esta vez con más influencias del gangsta rap en el lado hip-hop y con una agresividad en el lado rock nunca antes vista.
Musicalmente es de los álbumes de rock mas completos de los últimos años, desde la guitarra virtuosa de Morello hasta toques de jazz del bajista Tim Commerford y la increíblemente desquiciada batería de Brad Wilk, todo cubierto por los ataques cada vez mas agresivos de un cantante que destila una rabia nunca antes vista.
Se debe destacar el contrapunto entre guitarra y voz que genera un tono dramático y desesperado que agobian hasta al oyente menos informado.
Canciones como Calm Like a Bomb y Guerrilla Radio son de lo mejor aquí.

Renegades [2000]



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Así se despide, por ahora, RATM de todos nosotros.
Un buen álbum de covers donde le hacen homenaje a los grupos que más los influenciaron.
Este experimento, que muy fácilmente pudo haber sido desastroso, resulta increíblemente bueno, principalmente porque la banda no trata de imitar a los artistas originales. Las canciones que más se destacan son How Could I Just Kill a Man (original de Cypress Hill) y Renegades of Funk (original de Afrika Bambaataa). También es interesante escuchar a Zach de la Rocha cantando Punk en In My Eyes (original de Minor Threat); le queda muy bien.

Por último les recomiendo cualquiera de los vídeos que hay disponibles de la banda tocando en vivo. Es fascinante ver cómo miles y miles de personas brincan al unísono ante el poder de la música de Rage.



La biología explica que la pérdida de diversidad genética produce falta de evolución y por lo tanto extinción prematura. En la música ocurre lo mismo; un género musical tiene la muerte segura cuando se niega a cambiar, a mutarse y combinarse con otros. Cada cierto tiempo aparecen bandas como Rage Against the Machine, que con su innovación se aseguran que el rock jamás morirá.

Kaiser Chiefs, "Yours Truly, Angry Mob"

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"Yours Truly, Angry Mob" es el segundo álbum de los Kaiser Chiefs, sucesor de "Employment" de 2005 y salió el 26 de Febrero.

El disco contiene 13 canciones, fue producido por Stephen Street en el Hook End Manor en Berkshire, grabado entre septiembre y octubre de 2006, fue mezclado por Cenzo Townshend y el productor en los estudios Olympic Studio en Barnes, Londres.

Entre otras virtudes, Kaiser Chiefs son de esos grupos necesarios para sacudirnos de nuestro letargo y meternos de lleno en un viernes cualquiera. Su música funciona como una inyección de euforia y supone una llamada a perder los estribos de lo más tentadora.

Sin pretensiones revolucionarias, estos británicos no defraudarán a aquellos que busquen melodías efectivas y estribillos tarareables. En "Yours Truly, Angry Mob" no encontrarás el arsenal de himnos de "Employment", su debut, pero que tire la primera piedra quien no vea potencial hitero en temas como 'Learnt My Lesson Well', 'I Can Do Without You', 'Ruby' o 'Heat Dies Down'.

Los problemas vienen cuando se asoma la trascendencia en baladas épicas insoportables, caso de 'Try Your Best' o 'Boxing Champ'. En fin, que Kaiser Chiefs seguirán con la etiqueta de grupo de usar y tirar, pero de todo tiene que haber en la viña del Señor y este disco cumple su cometido perfectamente.


Lista de temas:

Ruby
Angry Mob
Heat Dies Down
Highroyds
Love's Not A Competition (But I'm Winning)
Thank You Very Much
I Can Do It Without You
My Kind Of Guy
Everything Is Average Nowadays
Boxing Champ
Learnt My Lesson Well
Try Your Best
Retirement