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Los críticos musicales suelen caer en determinadas frases o definiciones que parecen encantarles, entre ellas se encuentra la famosa "vuelta a las raíces". Muchas veces confunden esto con un paso atrás en la carrera del artista o con un resumen del sonido que el músico en cuestión ofrece en determinado álbum (un caso obvio seria el de U2 y su "All That You Can't Leave Behind"). Sin embargo, en éste caso y sin que sirva de precedente, tienen razón.
El nuevo disco de Moby llamado "Last Night" suena como una vuelta a sus primeros discos como "Moby" o "Ambient", pasados por algunos sonidos que nos hacen acordar a los primeros pasos de la música house en los 80. De esta forma el artista neoyorquino vuelve a su "chill-out techno" como ha sido califica alguna vez e inclusive toca el house como en "Ohh Yeah" o el primer single de difusión "Disco Lies".
Sí bien no debe ser catalogado como un disco conceptual, "Last Night" puede ser escuchado como la banda de sonido de una salida nocturna a alguna disco tecno. Desde su preparación ("Ohh yeah", "I Love To Move In Here"), la llegada, la euforia y saber que no importa si hay mañana ("257.zero", "Live For Tomorrow"), la obvia atracción y pensar en hacer contactos ("Alice", "I'm In Love", "Disco Lies"), el limbo ("Degenarates"), y la vuelta a casa escuchando un poco de "ambient" para relajarse ("Sweet Apocalypse", "Mothers Of The Night" y "Last Night"). Justamente el final del disco, que parece un homenaje a Brian Eno, es de lo más logrado del álbum y te transporta al final de una noche perfecta, lo que transforma a éste tramo en una experiencia para disfrutar con las luces apagadas.
Todo esto bajo un leve manto melancólico y una evidente añoranza a la década de los 80 que se ve reflejada en todo el disco, sobretodo en temas como "Hyenas", "I'm In Love" o en la más obvia "Everyday It's 1989".
Un gran regreso de Moby, que no se si será del agrado de los fanáticos de "Play" (su álbum más exitoso hasta el momento), pero que si gustará a los fanáticos del genero.
Poco antes de comenzar el concierto tuve tiempo para observar detenidamente el paisaje arquitectónico que rodeaba el escenario ubicado en el parking del Hotel Conrad de Punta del Este. A la izquierda el enorme (y grotesco) emprendimiento hotelero, del otro lado dos muy lujosos y modernos edificios (típicos de la obscena ostentación de riqueza que suelen tener los balnearios de Latinoamérica) que veían de forma arrogante a la sobria y despojada escenografía donde Dylan tocaría minutos después.
Ese marco parecía hacer difícil la conexión con el tipo de música que Bob Dylan ofrece, y estaba completamente alejado de aquel discurso rebelde de los 60's que transformó a un simple cantante folk en uno de los artistas más influyentes de los últimos 40 años.
Las dudas se desvanecieron completamente en los primeros acordes de "Cat's In The Well", una canción prácticamente olvidada de su disco de 1990 llamado "Under The Red Sky" que casualmente (¿casualmente?) describe perfectamente la situación "edilicia" y su "amenaza" en el comienzo de su letra.
"The cat's in the well, the wolf is looking down. The cat's in the well, the wolf is looking down. He got his big bushy tail dragging all over the ground."
Vestido de un impecable negro, y con el detalle de un sombrero de cowboy color blanco, Dylan pisó el escenario para encantar durante menos de dos horas a los 4.000 asistentes que abarrotaban el sitio donde el show se llevo a cabo, e hizo lamentar a los cientos que no habían tenido la suerte de conseguir uno de los pocos tickets que se pusieron a la venta. Recordemos que poco más de 2.500 localidades se pusieron a la venta debido a que el "Hotel Conrad" (organizador del evento) utilizó las restantes 1.500 entradas como promoción de sus instalaciones invitando a varios asistentes considerados "VIP". Dentro de estos últimos podíamos ver una gran cantidad de brasileros de avanzada edad, un sinnúmero de modelitos que no tenían ni la más remota idea de quién tocaba esa noche, y los clientes apostadores del Conrad que, seguramente espantados por la voz de Dylan (bendita sea tu gola), huyeron hacia la ruleta luego de las primeras canciones. El concierto fue todo lo que se puede esperar de una leyenda, y también todo lo que no se puede esperar de esta leyenda. Dylan llegó, saludó con una mano, cantó y tocó sus canciones, presentó su banda, saludó nuevamente y se fue. Así de parco o así de tímido, pero seamos claros, lo importante y lo mágico pasó por otro lado. La interpretación en clave de blues de sus canciones, junto a esa voz ronca pero misteriosamente impactante, tocaron todas y cada una de las almas presentes.
No pienso entrar en la estupidez de comparar a Dylan con otros artistas por saludar o no saludar, eso se lo dejo a los demagogos que tachan con esa condición a todos los que se atreven a opinar de cualquier tema que les moleste y no se dieron cuenta de que si existe alguien para quién "Rock and Roll no es entretenimiento" es Dylan, pero siempre es fácil opinar sobre lo que no se sabe o lo que es peor, descalificar para desacreditar. Durante varios pasajes del espectáculo varios de los "dylanologos" presentes, e incluso varios que no lo eran, llenaron sus ojos de lágrimas ante ciertas melodías o letras. O es que acaso alguien puede quedar inmune a himnos como "A Hard Rain's A-Gonna Fall", "Like A Rolling Stone" o "Highway 61 Revisited" ? Realmente es posible no ser completamente fagocitado por la delicadeza y sutileza de "Lay, Lady, Lay" o "Just Like A Woman" ? Es que ese hombre desgarbado de 66 años, ese viejo que parece no importarle si lo observan 500 o 60.000 personas, ese humilde cantante transmite más magia en una frase que la mayoría de los grandes cantantes en un concierto entero.
No debo cerrar éste artículo sin mencionar a la banda que acompaña a Mr. Zimmerman. Compuesta por Tony Garnier en el bajo, George Recile en batería, Stu Kimball guitarra rítmica, Denny Freeman en la solista y Donnie Herron en una infinidad de instrumentos (violín, banjo, mandolín eléctrica, etc.), consiguen tocar con la fuerza del rock, la técnica del jazz y la melancolía del blues, probablemente la mejor banda que he visto en mis treinta años de vida. Sencillamente impactante.
Con el público fiel aplaudiendo de pie llegó el fin del espectáculo, es más que probable que la noche del jueves santo del 20 de marzo del 2008 haya sido mi última vez con Bob Dylan... La recordaré hasta el último de mis días.
Set List:
1. Cat's In The Well 2. Lay, Lady, Lay 3. Watching The River Flow 4. Love Sick 5. Thunder On The Mountain 6. A Hard Rain's A-Gonna Fall 7. High Water 8. Girl Of The North Country 9. Spirit On The Water 10. Rollin' And Tumblin' 11. Just Like A Woman 12. Highway 61 Revisited 13. When The Deal Goes Down 14. Summer Days 15. Like A Rolling Stone 16. Rainy Day Women #12 & 35 17. All Along The Watchtower
Como ya es costumbre les dejo un regalito. El concierto de la última gira efectuado el pasado 23 de Febrero en el "House Of Blues" de la ciudad de "Dallas".
La banda de Chris Martin se inspiró en Frida Kahlo para bautizar su nuevo trabajo.
Ya está el título del nuevo disco de Coldplay, que finalmente saldrá a la venta el 17 de junio. El disco se llamará Viva la vida, y según Chris Martin está inspirado en una leyenda que aparece en una pintura de Frida Kahlo. "Su vida tuvo un montón de mierda debido a la poliomielitis que la afectaba, y fue allí cuando comenzó con ese cuadro que dice ‘Viva la vida’", señaló Martin. "Me encantó esa clase de audacia", dijo el músico.
Pero, claro, no todos piensan en la pintora mexicana al saber de la frase. "La gente cree que viene de Ricky Martin, lo cual es muy divertido", afirmó Martin. "Ya he pasado por esta sensación de bautizar algo y que todo el mundo me diga ‘¡Qué nombre tan tremendo!’ Y mi respuesta siempre es ‘¡Andate a la mierda! El tiempo me dará la razón’", dijo Martin, quizás recordando que antes de Coldplay poseía una boy band que respondía al apelativo de Pectoralz. ¿Qué pasará con Viva la vida ?
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Desde las primeras escuchas "Accelerate" se muestra como el álbum de R.E.M. más enérgico e intenso en mucho tiempo, probablemente desde "Monster" o alguno de sus trabajos en los 80's. Podemos encontrar por doquier riffs, solos de guitarra, fuertes baterías, cambios de ritmo y sobretodo fuerza, cosa que se extrañaba en sus últimos discos donde la nostalgia y la melancolía se transformaban en rutinarias.
Sin embargo, las canciones que destacan inmediatamente sobre el resto del disco son una balada ("Until The Day Is Done") y un medio ritmo ("Mr. Richards"). De todas formas no podemos olvidar la fuerza de "Living Well Is the Best Revenge" y su subversiva letra, que junto con "Man-Sized Wreath" y "Supernatural Superserious" forman sin duda un arranque apabullante que nadie esperaba de un disco de R.E.M. a estas alturas, menos aún escuchando sus últimos trabajos.
Mención especial para la joya del disco, "Sing In The Submarine", otro tema de medio ritmo con una guitarra hipnótica que a medida que se suceden las escuchas atrapa más y más.
Es cierto que apenas terminado el disco uno se pregunta si esta avasallante descarga no es una forma de ocultar cierta falta de inspiración, pero también es verdad que el final de este corto álbum (alrededor de treinta minutos) con "I'm Gonna Dj" deja a cualquier fan de la banda con ganas de más, mucho más.
No es una obra maestra, y probablemente no recordemos a R.E.M. por éste disco, pero mientras tanto disfrutemos con una banda que parece renacer y "acelerar" hacia el futuro.
1. "Living Well Is the Best Revenge" - 3:11 2. "Man-Sized Wreath" - 2:31 3. "Supernatural Superserious" - 3:23 4. "Hollow Man" - 2:39 5. "Houston" - 2:05 6. "Accelerate" - 3:33 7. "Until the Day Is Done" - 4:08 8. "Mr. Richards" - 3:46 9. "Sing for the Submarine" - 4:50 10. "Horse to Water" - 2:18 11. "I'm Gonna DJ" - 2:07
Nuestro corresponsal en el viejo continente asistió el pasado lunes 11 de marzo al concierto que ofreció el grupo británico "The Cure" en el "Sant Jordi" de la ciudad de Barcelona. A continuación la crónica de Pablo D'Angelo.
Ayer fui al concierto de The Cure en Barcelona, y fue ESPECTACULAR verdaderamente. Sin palabras, una bestia Robert Smith tocando en vivo.
Yo nunca los había visto en directo, siempre grabaciones de estudio y la verdad es que son unos monstruos en vivo. La voz de Robert Smith está impresionante. Y un detallecito: 3 horas y 20 minutos de concierto.
Realmente increíble, la gente deliró porque los tipos dejaron todo, todo, todo en el escenario. Cuando terminó de cantar el segundo tema Smith al palo totalmente yo dije así no dura ni una hora, no, no fue una hora fueron 3 y 20 con tres bises uno de 5 temas otro de 7 y ya cuando llevaban 3 horas de concierto y dos bises de 12 temas se sube Robert Smith de nuevo y dice “Are you ready for 5 more songs?” Explotó el Sant Jordi (bueno los que lo entendieron).
Hacía tiempo que no veía en un concierto la gente tan colgada y era justo porque realmente creo que hasta en un hipotético caso de alguien que fuera a verlos sin conocerlos y ve eso por primera vez, ese espectáculo lo tiene que llenar.
La escenografía era parca, una pantalla no muy grande atrás y nada más, nada de show todo música. Sonaron bárbaro y respecto a la voz del tipo ya te dije, un infierno. Ahora este muchacho si sigue dando conciertos así va a palmar en breve. Con razón se tomó desde el viernes en Madrid hasta el lunes en Barcelona para dar el siguiente concierto.
De temas tocó todos los clásicos, In Between days, Boys don´t cry, Love cats, Killing an Arab, Friday, I´m in love, Lullaby, Plainsong, Why can´t I be you?, Lovesong, etc, etc. más temas del nuevo disco, más temas del resto de la carrera, algunos del disco anterior que está muy bueno.
Completito.
GRACIAS PABLO !
Set List:
1. Plainsong 2. Prayers For Rain 3. Alt.End 4. The Blood 5. The End Of The World 6. Lovesong 7. To Wish Impossible Things 8. Catch 9. From The Edge Of The Deep Green Sea 10. Kyoto Song 11. Please Project 12. The Walk 13. Push 14. Friday I'm In Love 15. In Between Days 16. Just Like Heaven 17. Primary 18. A Boy I Never Knew 19. Pictures Of You 20. Lullaby 21. Never Enough 22. Wrong Number 23. One Hundred Years 24. Disintegration ------------------------------------------------------- 25. At Night 26. M 27. Play For Today 28. A Forest ------------------------------------------------------- 29. The Lovecats 30. Let's Go To Bed 31. Freak Show 32. Close To Me 33. Why Can't I Be You? ------------------------------------------------------- 34. Boys Don't Cry 35. Jumping Someone Else's Train 36. Grinding Halt 37. 10.15 Saturday Night 38. Killing An Arab
Algunos artistas logran que lo irregular de sus obras no se traslade directamente a sus actuaciones en vivo, incluso en sus conciertos algunas canciones salen mejor paradas que sus versiones originales y se convierten en motivo de culto. Definitivamente no es el caso de Andrés Calamaro.
Antes de seguir debo ser sincero, no creo que ningún disco del señor Calamaro en solitario merezca un calificativo mayor a bueno, y de hecho tengo la certeza que solamente "Alta Suciedad", del año 1997, puede ser considerado como una obra completa. Sin embargo, todos sus discos poseen dos o tres hits irrefutables, y a esto debemos sumarle sus trabajos con "Los Abuelos De La Nada" y "Los Rodríguez", donde el cantante y compositor argentino llegó a su nivel más alto.
El concierto, basado en su último disco llamado "La Lengua Popular" (placa que superó la marca de doble platino por sus ventas en Argentina y se encaramó al tope de las encuestas como Mejor Disco de 2007), tuvo momentos de gran euforia, momentos donde se veía a varias personas abrigándose por el frió, y momentos donde se escuchaba y se veía a más de una persona bostezando, conversando o dirigiéndose a comprar una cerveza o alguna hamburguesa.
Debe hacerse un párrafo aparte para la excelente banda que acompaño al artista argentino. La misma está integrada por los guitarristas Diego García Gallardo y Julián Kanevsky, Tito Dávila en teclados, la base rítmica con el bajista Candy “Caramelo” Avello y el baterista José “Niño” Bruno, y los coros de Cóndor Sbarbati y Daniel Suárez. Una pena que la excelencia instrumental no fuera acompañada (otra vez en un show en el Uruguay) por un sonido adecuado.
Los momentos celebrados de la noche fueron el comienzo del show con "El Salmón" y "Los Chicos", y el final del show con "Costumbres Argentinas" y "Alta Suciedad" como puntos fuertes. El resto del concierto transcurrió entre baladas de dudoso nivel, la espectacular interpretación del tango "Los Mareados" y algunos hits intercalados que lograban sacar de un ambiente general de entumecimiento a los asistentes del espectáculo.
En fin, un show ameno, pero que lamentablemente deja lejos la imagen de leyenda que Andrés Calamaro arrastra por los escenarios del mundo.
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Tras el tropezón de 'October', el futuro incierto de una banda de medio alcance como era entonces U2 se abrió de par en par al éxito hace 25 años con 'War', un disco que, con canciones como 'Sunday, Bloody Sunday' o 'New Year's Day', inauguró el camino de Bono como ideólogo.
"Hay música muy bonita, muy bien compuesta. Música para oír mientras desayunas. Pero la música puede ser más. Sus posibilidades son enormes. La música me ha cambiado. Tiene la capacidad de cambiar una generación. Mirad lo que pasó con Vietnam. La música cambió la actitud de una generación entera respecto a la guerra".
Era junio de 1983 cuando el líder de U2, Paul David Hewson 'Bono', pronunciaba estas palabras. 'War' (Island Records) caminaba hacia las ventas finales de siete millones de copias y él, con frases cortas y contundentes, comenzaba su periplo hacia el mesianismo, ampliamente vitoreado y marginalmente vilipendiado. 'War' era, "más que ningún otro, un disco de su tiempo. Una bofetada en la cara", según el cantante. Sus referencias, a pesar de su inicial vocación de culto, eran tan grandilocuentes que se adaptaron perfectamente a su reconversión en disco-manifiesto de éxito mundial.
Sin embargo, 'War' sigue siendo un material musical perenne que, un cuarto de siglo después de su primera edición (28 de febrero de 1983), volverá a las tiendas remasterizado en una operación similar a la que se realizó con 'The Joshua Tree' por su 20 aniversario.
Pero no llega solo, ya que también se limpiará el sonido de 'Boy' (1980), el álbum debut de U2, y 'October' (1981), como, a falta de la confirmación oficial, refleja la página de venta on line Amazon.com y recogen numerosas comunidades de fans.
'War' para ellos es, además, el detonante de una exitosa gira —'War Tour'— y una nueva portada protagonizada por el niño Peter Rowan. Con las manos en la nuca y la mirada amenazante, Rowan -hermano de Derek 'Guggi' Rowan, de los Virgin Prunes- también aparece en otras carátulas como la del propio sencillo 'New Year's Day' y en otros álbumes como 'Boy' o el recopilatorio 'B-Sides'.
Una canción, hoy un himno 'War', que debutó en el número 1 en las listas británicas en marzo de 1983 desbancando nada menos que al plusmarquista 'Thriller', de Michael Jackson, arrancaba con fuerza, con una canción que se convirtió en himno: 'Sunday, Bloody Sunday'. Bono, The Edge, Larry Mullen Jr. y Adam Clayton rememoran en el tema el llamado 'Domingo Sangriento', ocurrido el 30 de enero de 1972 en Londonderry, la segunda ciudad del Ulster, cuando soldados británicos del Primer Regimiento de Paracaidistas dispararon contra una manifestación en favor de los derechos civiles en el barrio católico de Bogside.
"No es una canción de rebeldía", quedaba registrado en el concierto editado bajo el nombre de 'Under a Red Blood Sky' (1983) —una frase de 'Sunday, Bloody Sunday'—, y esa afirmación resume la actitud de pacifismo activo que siempre ha defendido la banda en general y Bono en particular.
"Algunas veces, siento que Dios no está buscando limosnas, sino que está buscando acción" y, por ello, el primer single del álbum fue 'New Year's Day', dedicado al entonces disidente y futuro presidente de Polonia Lech Walesa, premio Nobel de la Paz en el año de edición del disco.
"El disco tiene una escucha impresionante, pero más importante es que maneja un tema difícil de una manera sensible. U2 no es el primer grupo que juega a ser soldados en este tema (...), pero ninguna ha captado la paradoja entre la postura y acción de una manera tan precisa", reconocía la revista 'Rolling Stone' en el momento del lanzamiento.
Otros 'singles' serían 'Two Hearts Beat at One', compuesto durante la luna de miel de Bono con su esposa Ali, y también el tema que cerraba el disco, '40', que, según el productor, Steve Lillywhite, fue grabado con el tiempo justo, en apenas media hora. "Teníamos que dejar el estudio a las siete de la mañana porque otra banda tenía que empezar a esa hora. Era increíble. Bono estaba cantando '40' con la otra banda esperando fuera. No habíamos ni siquiera empezado a mezclarla. Bono estaba cantando mientas nosotros hacíamos las mezclas y nos fuimos a las siete". Los estudios nunca volvieron a tener hora de cierre para la banda, que con 'War' no sólo rompió las listas y sorprendió a los críticos, sino que marcó un lenguaje musical y político de una eficacia todavía vigente.
El disco supuso, además, el inicio de una fantástica trilogía completada por 'Unforgettable fire' (1984) —su tema 'Pride (In The Name of Love)' estaba dedicado a Martin Luther King Jr.— y el celebérrimo 'The Joshua Tree' (1987), que se cerraba con 'Mothers of the disappeared', centrada en la dictadura de Pinochet.
Coldplay está en un estudio de grabación en el norte de Londres, ultimando detalles de su aún intitulado cuarto álbum, que aparecerá en mayo. En un pizarrón, tres miembros del grupo han escrito distintas lista para ordenar los temas del disco. Chris Martin postergó la suya, con la esperanza de presionar a sus compañeros un poco más. "Escuché una vez a Bono decir que ‘Las bandas no se deberían separar por el dinero, se deberían separar después de hacer las listas de canciones’. Nada resulta más pertinente en este punto".
Para grabar este disco, la banda se alió al legendario productor Brian Eno y trató de remover todas sus influencias anteriores. "Sentimos que los tres primeros discos son parte de una trilogía, y que la finalizamos, así que quisimos hacer algo diferente", dijo el guitarrista Johnny Buckland. El grupo permitió a Rolling Stone escuchar los temas en los que están trabajando, y la mayoría son más frescos y vitales que hits como "Clocks" y "Speed of Sound".
Varios de los tracks son considerablemente más duros, con guitarras distorsionadas y una percusión más prominente. Las letras son más oscuras, con temas recurrentes como la muerte y la soledad. Y en muchos de los temas, Martin extiende su paleta vocal más allá del falsette que lo caracteriza, exhibiendo un tono más bajo y más sexy, que lo pone en un lugar más personal y real. "Sea bueno o no, lo cierto es que empezamos a utilizar más colores", dice Martin. "Es imposible complacer a todo el mundo, y nos llevó un tiempo comprenderlo. Es tener la libertad de decir ‘A todos puede no gustarle esto. Estamos en movimiento, así que hagamos lo que queremos".
Coldplay exploró una variedad de direcciones en cuando al sonido, algo que lo atribuyen al aliento de Eno. "Nos nos juzga, y es algo muy refrescante", señala Martin, a lo que Buckland agrega: "No es que él trae un sonido o algo para producirlo. El tiene un montón de ideas sobre cualquier cosa, inclusive sobre como estructuramos los días de trabajo". ¿Su sugerencia? "Tomensé muchos breaks".
Por supuesto, el grupo aún está armando la lista de temas del disco, pero aquí va una guía de muchos de los temas tal como luego aparecerán en el disco:
"Violet Hill": Una de las más fuertes canciones nuevas, que está siendo considerada por la banda para que tenga una promoción especial en las próximas semanas. La apertura es con un riff de guitarra distorsionada, y la canción presenta un nuevo campo: un beat acechante y blusero que encaja de manera perfecta con la voz terrenal de Martin y una letra quejosa: "Si me amás, ¿por qué no me lo haces saber?".
"42": El hecho de que la banda está considerando que este sea el primer corte del disco da cuenta de como se quieren alejar de su fórmula: se trata de una elaborada pieza de tres partes, con remolinos de pianos, cuerdas y loops de beats que construyen un climax uptempo, y una letra drogona: "Aquellos que están muertos no lo están, están viviendo en mi cabeza".
"Yes": Aquí la voz de Martin toma la escena como nunca antes: sonando más agresivo y fuerte que nunca, se sienta en la cima de un irresistible arreglos de cuerdas y tabla norafricano, y su dolor suena convincente: "Si tan solo, si tan solo pudieses decir Sí, yo estoy tan cansado de esta soledad…". Es la canción más fresca de la banda desde "Parachutes".
"Death and All His Friends": Un rock bien arriba, con un riff que parece robado a los Doobie Brothers, piano y, en la última parte, una flauta.
"Cemeteries of London": ¿Notan el patron temático que emerge desde el título y la letra? Este tema, con un electro loop y palmas, no suena tan triste como su título promete.
"Life in Technicolor": Impulsado por una guitarra acústica, esta es una de las pocas pistas que parece haber sida construida a partir del patrón de canciones de Coldplay como "Don? T Panic". "Baby, es un mundo violento", canta Martin.
"Chinese Sleep Chant": Abriendo con riff de guitarra entrecortado, el tema se asienta de manera rápida con un propulsivo loop dance y voces bajas y angelicales.
"Strawberry Swing": Este es otro de los posibles singles del álbum, con un pop afro y influencias de la buena vida. Distorsión y una guitarra tocada sin púa que se mezcla con una base salida de Mali, un bajo bien pesado y sintetizadores psicodélicos. "Mi mami es de Zimbabwe, por lo que pasé un montón de tiempo allá", dice Martin.
"Reign of Love": Una hermosa composición con piano, bajo y órgano, y una letra que remite a los cuentos de hadas.
De regalo un concierto de Coldplay en los míticos estudios de Abbey Road en el año 2006.
Coldplay - Live @ Abbey Road Studios 01. Square 02. Politik 03. Yellow 04. White Shadows 05. Swallowed In The Sea 06. How You See The World 07. Don`t Panic 08. Clocks 09. Talk 10. The Kingdom Come 11. The Hardest Park 12. Fix You
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"H.A.A.R.P" es el nombre del próximo CD/DVD de la banda inglesa Muse, que se lanzará en UK el 17 de Marzo y 1º de abril en los EEUU. El paquete contendrá un CD y un Dvd de los dos conciertos que la banda realizó en el estadio de Wembley en Junio del 2007. El DVD, con un setlist de 20 canciones, está basado en el concierto del día 17 de Junio, y el CD con un setlist de 14 canciones se registró en la noche anterior. El nombre del disco (H.A.A.R.P) refiere a unas misteriosas instalaciones que el gobierno de los EEUU tiene en Gakona (Alaska). Dichas instalaciones están conformadas por 180 antenas que funcionan en conjunto como si fuera una sóla, logrando así emitir 1 GW (1.000.000.000 de W). Esta instalación tiene como propósito mejorar las comunicaciones y el alcance de los radares más allá del horizonte. Sin embargo, algunos creen que tienen como objetivo hacer difusos ciertos "rayos" enviados por "Ovnis" o inclusive se piensa que estas antenas envían "microondas" para controlar nuestros pensamientos. La obsesión por estos artefactos del líder de Muse (Bellamy) ha inspirado a la banda para construir la espectacular escenografía de su última gira. El concierto es demoledor, desde la trepidante "Knights of Cydonia" hasta la melancólica "Take A Bow", la banda demuestra ser una de las fuerzas creativas más importantes del siglo XXI, ya alejándose del fantasma de Radiohead, consiguiendo un sonido propio y sobretodo llegando a tener un directo avasallante.
Versiones espectaculares de "Butterflies and Hurricanes" o "Map of the Problematique" muestran su lado más oscuro y genial, por otro lado tenemos su lado más pop con temazos como "Starlight", "Invincible" o su himno "Time Is Running Out".
Es difícil especular en estos días de la industria de la música con el futuro de las bandas, pero estoy seguro que será complicado nombrar la música de los primeros años de éste siglo y no acordarse de Muse. El futuro dirá hasta donde llegan, yo pienso que será lejos.
Track listing
DVD:
"Intro" "Knights of Cydonia" "Hysteria" "Supermassive Black Hole" "Map of the Problematique" "Butterflies and Hurricanes" "Hoodoo" "Apocalypse Please" "Feeling Good" "Invincible" "Starlight" "Improvisation" "Time Is Running Out" "New Born" "Soldier's Poem" "Unintended" "Blackout" "Plug In Baby" "Stockholm Syndrome" "Take a Bow"
CD:
"Intro" "Knights of Cydonia" "Hysteria" "Supermassive Black Hole" "Map of the Problematique" "Butterflies and Hurricanes" "Invincible" "Starlight" "Time Is Running Out" "New Born" "Unintended " "Micro Cuts" "Stockholm Syndrome" "Take a Bow" "City of Delusion"
Este blog sólo tiene el propósito de difundir la música que disfruto, si te gusta lo que escuchas apoya al grupo o solista comprando sus discos o acudiendo a sus conciertos. Si formas parte de alguno de los grupos cuya música se encuentra en este blog o los representas y quieres que retiremos algún archivo en específico, háznoslo saber al mail de Super yo !
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Sí bien no debe ser catalogado como un disco conceptual, "Last Night" puede ser escuchado como la banda de sonido de una salida nocturna a alguna disco tecno. Desde su preparación ("Ohh yeah", "I Love To Move In Here"), la llegada, la euforia y saber que no importa si hay mañana ("257.zero", "Live For Tomorrow"), la obvia atracción y pensar en hacer contactos ("Alice", "I'm In Love", "Disco Lies"), el limbo ("Degenarates"), y la vuelta a casa escuchando un poco de "ambient" para relajarse ("Sweet Apocalypse", "Mothers Of The Night" y "Last Night"). Justamente el final del disco, que parece un homenaje a Brian Eno, es de lo más logrado del álbum y te transporta al final de una noche perfecta, lo que transforma a éste tramo en una experiencia para disfrutar con las luces apagadas. 
