La vuelta de "Héroes".

Luego de 10 años de separados, los integrantes de la banda Héroes del Silencio confirmaron su gira mundial de 10 únicos conciertos.

La gira mundial se realiza con motivo del 20 aniversario del lanzamiento de sus primeras grabaciones y a diez años de su separación.

Enrique Bunbury, Juan Valdivia, Joaquín Cardiel y Pedro Andreu volverán a unir sus fuerzas en este histórico tour en el que podrán verlos y escucharlos en directo más de medio millón de personas en ambos lados del Atlántico.

Héroes del Silencio (banda formada en Zaragoza) ha sido uno de los grupos más importantes de la historia del rock en nuestro idioma, vendiendo más de seis millones de discos en más de una veintena de países, de Europa, América y Asia.

Su primer concierto del reencuentro se efectuará el 15 de septiembre en Guatemala, seguido por Buenos Aires el 22 de septiembre; en la Ciudad de México 4 y 6 de octubre; Zaragoza el 10 y 12 de octubre y Sevilla el 20 de octubre, que cerrará su tour 2007.

Si no los conoces y quieres descubrirlos...

Platinum Collection


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Comunicado Oficial Heroes del Silencio Tour 2007

Gogol Bordello

Si Kofi Annan tuviese un grupo, ese sería Gogol Bordello. Dos rusos, uno tocando el acordeón y otro el violín; un israelí tocando el bajo; un estadounidense a la batería; dos tailandesas que ponen el baile y un ucraniano con un enorme bigote, Eugene Hutz, que canta y toca la guitarra. Gogol Bordello tiene un salvaje directo, donde a ritmo punk-skatalítico queda reflejada la esencia juerguista de la música de Europa del Este.

Gogol Bordello es una banda liderada por Eugene Hutz, natural de Ucrania, europeo de corazón tras recorrer el continente cuando tuvo que abandonar su país tras el desastre de Chernobil. Ha dado sus primeros pasos como actor en la película "Everything is illuminated". Su música se define como "gypsy punk". Suenan muy bien, aunque la fusión puede resultar extraña. Excelentes músicos y letras comprometidas, relacionadas siempre con la inmigración, las fronteras y el mestizaje.

Lejos del estereotipado y aburridamente predecible mestizaje convertido en actual santo y seña de miles de jóvenes alrededor del mundo, Hütz y su cohorte de excelentes instrumentistas se embarcan con feroz empeño en la tarea de derribar cualquier tipo de barrera estilística. En su propuesta conviven sin problemas vitalistas cantos a la vida con el lamento ancestral propio del inmigrante europeo, dando como resultado un carrusel de emociones y ritmos que entusiasmará a quienes necesiten con desesperación escuchar algo que todavía les sorprenda.


Aquí sus discos:

Multi Kontra Culti


Gipsy Punks


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Su impresionante directo:

Genesis

Vamos a hacer una pequeña referencia a un grupo que no está de moda. De hecho nunca lo estuvo. Pero realmente fue un logro no estarlo, porque no lo estuvieron a pesar de haber vendido 130 millones de discos, de haber vendido casi 15 millones de entradas a sus conciertos, de haber hecho 1.433 conciertos, (que se multiplican por más de 2 si contamos los de cada uno de sus 5 miembros por separado), de haber tenido 10 discos consecutivos en el top 3 inglés y 6 en el número 1. Es más, nunca estuvieron de moda a pesar de crear junto con Pink Floyd un movimiento que cambió el rock y que se dió en llamar el rock progresivo. Nombre extraño para un movimiento que justamente representaba más que un progreso una mezcla del rock con música clásica, en sonidos y hasta en sus letras.

Pero eso es pasado y ahora estamos escribiendo para hablar del presente de Genesis. El trio que permaneció más tiempo junto, es decir Phil Collins, Mike Rutherford y Tony Banks, el que progresó desde la música progresiva a una estética más pop-rock tradicional se he vuelto a unir para hacer una gira de 15 conciertos en Europa y otros tantos en Estados Unidos.

Peter Gabriel dejó Genesis en 1975, Steve Hackett en 1977 y Phil Collins se separó de Banks y Rutherford en 1994. Entonces, éstos invitaron a Ray Wilson para ser la voz del disco final de Genesis en 1998, sugestivamente llamado “Calling all stations”. Sin embargo, aunque cada uno seguía su carrera por separado, las reuniones entre los ex miembros eran permanentes. Phil Collins se casó en 1996 y Banks y Rutherford tocaron en su boda. Luego se casó Peter Gabriel y la banda completa volvió a tocar en la boda. En 1999 hicieron un trabajo en común del que surgió un hermoso remake del tema Carpet Crawlers donde compartieron vocales Phil Collins y Peter Gabriel. Esto ocurría por primera vez desde el concierto de reunificación de Genesis en 1981. Entre 1981 y 1999 Phil Collins ha participado de discos de Peter Gabriel pero solo desde la batería.

Luego de que en 2001 Phil Collins tuviera una infección que afectara gravemente su oído, los médicos le recomendaron no seguir haciendo actuaciones, por lo que decidió despedirse de las actuaciones con una serie de actuaciones. Se denominaron el First Farewell Tour o el Tour de la Primera Despedida. Yo tuve la fortuna de presenciar el concierto de Barcelona del año 2004 y llegué tarde para ver el comienzo del grupo telonero. Cuando entro al Palau Sant Jordi oigo los acordes de “Over my shoulder” y pensé: que bueno que hayan traído una banda de teloneros que hagan covers de Mike and the Mechanics. Pero no, cuando diviso el escenario, Mike Rutherford y sus Mechanics estaban allí, simplemente haciendo de teloneros para la despedida de Collins.

Luego las reuniones se siguieron dando y la idea de la reunificación para una serie de Conciertos fue tomando forma. Peter Gabriel decidió mantenerse al margen esta vez, pues consideraba que debía esta reunificación implicar más que una gira mientras que Collins, Rutherford y Bank prefirieron la opción más modesta y se lanzaron a la gira. Esperaremos a ver que nos deparan estos viejos, eternos demodé, innovadores en el rock pero muy lejos del estilo rock-star. Ni a esta banda ni a alguno de sus miembros históricos, le cantarán que “baje del cielo” porque nunca lo estuvo y nunca pretendió estarlo. En ocasiones, eso libera de responsabilidad para crear en forma más personal y espontánea.

Sus discos emblemáticos:

Foxtrot


Selling England by the Pound


The Lamb Lies Down on Broadway


Abacab


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Escrito por Pablo D'Angelo (Larga vida al "Drink Team" !)

Modest Mouse - "We Were Dead Before The Ship Even Sank"

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Pertenecientes al selecto grupo de bandas que redefinió el rock de espaldas al mainstream, Modest Mouse puede jactarse de dos logros: superar la barrera del tercer álbum sin repetir fórmulas y, gracias al excelente Good News For People Who Loves Bad News (Epic, 2004), trepar a la masividad sin siquiera haber comprometido su sonido en función de las grandes masas. La pregunta surgía natural: ¿qué venía después de ese suceso? La respuesta estaba en We Were Dead Before The Ship Even Sank, su esperado séptimo larga duración.

No hace falta llegar a la mitad del álbum, para darse cuenta que We Were Dead… es un disco continuador de la última etapa de la banda. Los devotos de esa explosión de noise pop y espasmos rítmicos llamada The Lonesome Crowded West (UP, 1997) pueden declarar a su grupo favorito como perdido, porque aquí Isaac Brock parece llevar la consistencia de Good News… a nuevas dimensiones. En We Were Dead… las fantasías neopsicodélicas (’Little Motel’), las marchas desoladoras (’Parting of the Sensory’) y los singles para la pista de baile (’Dashboard’) convergen en una mirada mucho más pop y luminosa. Y aunque la presencia del ex guitarrista de The Smiths, Johnny Marr se manifiesta de manera subterránea, a fin de cuentas es determinante para el espíritu del disco: este es un álbum donde cada uno de los integrantes de la banda parece forzado al límite de sus capacidades; pero, el resultado es, como nunca, optimista.

Si hay un síntoma saludable en We Were Dead…, es comprobar que, a diez años de su explosión, las composiciones de Isaac Brock siguen gozando de buena salud y que la banda aún es capaz de adoptar múltiples personalidades derivadas de sus diversos alteregos. Acá convergen el Brock sensible y reflexivo de ‘Parting on a Sensory’, el esquizoide despechado de ‘March Into the Sea’ (“trátame como al mar, soy tan salado”, le implora a su ¿ex? novia) y el eterno deudor de las texturas rítmicas de Talking Heads en ‘Education’. La evolución de Brock como compositor y frontman alcanza su mejor versión cuando es capaz de desdoblar sus personajes en una sola línea (como en la excelente ‘Florida’, que comparte con James Mercer de The Shins). Sin embargo, aquí no se adapta a un formato de single estilo ‘Float On’. Lo más cercano a eso es ‘Dashboard’, quizás el único pasaje donde Brock no tiene escrúpulos en explorar sonidos más digeribles y comerciales.

Pese a que su presencia es más prominente en algunas canciones que en otras, varios de los puntos más altos del disco están determinados por la impronta de Johnny Marr. Si bien es cierto, We Were Dead… es un disco 100% Modest Mouse, buena parte del nuevo ropaje viene de espíritu del ex Smiths. El groove de ‘Fly Trapped in a Jar’ parece sacado de una discoteque post punk de Manchester; los arreglos de la melancólica ‘Missed the Boat’ tienen su sello escrito a fuego. Y la notable ‘We’ve Got Everything’ recuerda al espíritu de ‘Barbarism Begins At Home’ del clásico Meat is Murder. Si We Were Dead es uno de los discos más poppy de Modest Mouse, en buena parte es por cortesía de Marr.

Si bien We Were Dead puede ser un disco odiado por los primeros fans de Modest Mouse, para otros puede ser el álbum concluyente que la banda había prometido toda su carrera. Lo cierto es que aquí la banda da otro paso en la constante experimentación que la ha mantenido por una década como uno de los máximos referentes indie en Norte América. Sin la genialidad de su antecesor, We Were Dead… es un puñado de canciones sólidas y convincentes.

Tracklist:

"Dashboard"
"Fire It Up"
"We've Got Everything"
"Education"
"Invisible"
"Missed The Boat"
"Steaming Genius"
"Spitting Venom"
"Florida"
"Parting of the Sensories"

Pink Floyd en Buenos Aires, perdón, Roger Waters.

Nadie se esperaba ver algo así, probablemente el show más conceptual que piso Argentina desde los legendarios "Popmart" de U2.

A pocos artistas en la historia del rock se le haría tan fácil vivir de viejas glorias como a Roger Waters: los clásicos de Pink Floyd están tan insertos en la memoria del público que tranquilamente podría salir a tocarlos en piloto automático, llenar estadios, embolsar toneladas de morlacos y, de todos modos, dejar a la gente satisfecha.

Más aún: los temas de su ex banda se prestan especialmente para la interpretación desganada, teniendo en cuenta que emplean la frialdad como una virtud, y quien los toque no tiene necesidad de demostrar ningún brío juvenil (pensemos en, por ejemplo, Led Zeppelin como antítesis de esto). Sumémosle a todo esto que Roger nunca se caracterizó por su carisma y su buena onda, por lo cual todo el mundo aceptaría un show parco con, digamos, una pared entre él y su audiencia. Tenía miles de excusas para jugar parado e igualmente ganar.

“Conmovedor”, esa palabra que tan impunemente suele usarse en las reseñas de recitales de rock, puede aplicarse aquí en varios sentidos diferentes. Primero está la conmoción psicodélica, ese placer indescriptible que da perder la noción del tiempo.

Una distorsión se multiplicó en cada rincón del estadio de River Plate. La batería dio los primeros golpes de "In the Flesh", apenas siete minutos después de las 22. Sin preámbulos, ni esperas que desesperan, con la simpleza de quien se sabe poseedor de algo grande entre manos, apareció Roger Waters, disparando las notas de su bajo. De pantalón y remera negra, el fundador de Pink Floyd ofreció el sábado 17 de marzo ante 50 mil personas el concierto enmarcado en la gira mundial "The Dark Side of the Moon".

Un simple "gracias" fue el primer contacto con el público y fue suficiente. Una lluvia de fuegos artificiales dio paso a "Mother", el segundo tema de la noche (ambos del disco "The Wall"), que entonó con su voz grave e inalterable pese al paso del tiempo.

Fue con "Shine on You Crazy Diamond" cuando miles de burbujas comenzaron a caer sobre los privilegiados del campo VIP. Para el resto: tres pantallas de alta definición y el sonido cuadrafónico que, hay que decirlo, hizo del show algo único.

La primera parte duró cerca de una hora y media, entre inmensos fogonazos a los costados del escenario, mientras sonaban "Have a Cigar" y "Wish you Were Here", a la que no le faltó ni siquiera el sonido del viento para hacer realidad un par de sueños por un rato.

También se dio el gusto de estrenar un tema, "Leaving Beirut", inspirado en un viaje que hizo a los 17 años por Medio Oriente. Como lo hizo en cada conferencia de prensa durante su gira por Latinoamérica (finaliza en Brasil), Waters se despachó contra las injusticias sociales y varios líderes políticos.

Uno de los momentos culminantes fue cuando surgió en escena el cerdo inflable gigante, que recorrió por el aire el campo de juego, sobre el público, y que ostentaba leyendas sobre cuerpo como “Kafka rules. Ok” y “Encierren a Bush antes que nos mate”.

Otras frases fueron: “Miedo. Construye. Muros” ubicada en los cuartos traseros del rosado globo gigante.

En el pecho se leía “Libertad al fin”, y del lado derecho se pintó: “Videla.Galtieri.Thatcher.Bush, todos dan asco”, leyendas sugeridas al músico antes de su presentación, mientras Waters y su banda interpretaban “Sheep”.

Además, el enorme globo con forma de cerdo tenía cubierto el lomo de graffitis con consignas argentinas como: “¿Dónde está Julio López? Desaparecidos. Nunca más”, y una línea punteada sobre el cuello del muñeco con la frase “Corte aquí”.

En el segundo tramo del recital y tras un intermedio, Waters, de muy pocas frases al público, agradeció y dio la bienvenida al inicio de su recital, ejecutó completa su obra “El lado oscuro de la luna”, disco que en 11 años permaneció entre los 200 mas vendidos en el mundo.

Así pasaron “The Dark side of de Moon” (1973), “Speak to me”, “Breathe”, “On the rum”, “Time”, ”The great Gig in the Sky“, ”Money“, ”Us and them“, ”Any colour you like“, ”Brain damage“ y ”Eclipse“, acompañados por videos alusivos a cada tema y al disco en si.

Para el último tema colgaron del techo frente al escenario una enorme pirámide de la que surgían humo y dos rayos láser, recreando el legendario prisma que decoró la tapa del álbum.

En los bises, Waters hizo entrar a jóvenes que presentó con la frase en castellano: “Ahora le damos la bienvenida al coro de chicos de River”, recibidos con aplausos.

Los coristas lucían una remera negra con la leyenda “El miedo construye paredes” y acompañaron a Waters en el estribillo de “Another Brick in the Wall” (parte II de The Wall-1979), tema al que le siguió “Bring the Boys Back Home” (1979) y el cierre fue con “Comfortably Numb” (The Wall-1979).

“Gracias. Son un público maravilloso”, dijo Waters mientras se despedía de los enfervorizados seguidores, en un concierto que convocó a los fans de Pink Floyd de todas las generaciones.

Lo que se vivió en River el sábado es una experiencia que trasciende lo musical. La impresión que flotaba entre los presentes era la de integrar un selecto club de iniciados, un grupo minúsculo y a la vez masivo que todavía cree que el rock es mucho más que ruido o una excusa para emborracharse. Es inevitable sentirse esperanzado al ver a más de 50 mil personas (padres, hijos, familias enteras) parándose tan al margen del mercado, aún cuando sepamos que lo más probable es que el paso de los días nos devuelva violentamente a la realidad. Con todo, un millonario cincuentón británico pasó y se desvivió para sacudirnos, cuando tranquilamente podría haber cumplido, cobrado y marchado a Brasil.

Entre los asistentes al concierto (que fue de alto contenido intelectual) se veían muchas camisetas de los Pink Floyd de Gilmour ("Division Bell", "Pulse", etc.) pero todos los que salimos de ese concierto nos fuimos con una sola idea en la cabeza... "Si Pink Floyd tiene alma se llama Roger Waters".

Miles Davis - Bitches Brew

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"¿Jazz, rock, underground, clásico? Me niego a compartimentar los géneros. No es así como contemplo la música. Parto de una base completamente diferente. Cuando alguien que se considera aficionado al jazz me dice que ya no toco jazz, me quedo perplejo. Nunca decido qué tipo de música voy a tocar, sencillamente porque nunca he pensado que la música se divide en diferentes categorías. Además, ¿cómo es un aficionado al jazz? Por lo general, es alguien que siempre quiere oír los mismos viejos tópicos. ¿Por qué? ¿Acaso siempre lleva la misma ropa? ¿Sale siempre con la misma mujer? ¿Va siempre con la misma gente?"

Esto decía Miles Davis en 1971. Un año antes, había revolucionado y horrorizado al jazz con Bitches Brew, un álbum que proponía una verdadera ruptura con los cánones del jazz, a la vez que marcaba una apertura que enriquecería de allí en más un nuevo subgénero: el jazz-rock. Si bien Davis ya trabajaba su música a partir de instrumentos eléctricos y con una importante posproducción en sus dos álbumes anteriores, los exquisitos Filles de Kilimanjaro e In A silent Way, es con Bitches Brew con lo que la aventura se convierte en extensas improvisaciones sin destino definido. Pura ruptura. Un cambio radical con el cual el trompetista se ponía nuevamente un paso delante de sus contemporáneos. Mucho público del jazz lo abandonó por "venderse" al pop, y ganó un público mucho mayor: el del rock de esos años. Bitches Brew es el álbum más vendido en la historia del jazz.

Para ese entonces, Davis ya se había acostumbrado a renovar (como mucho, cada dos años) la formación de sus bandas. En general, convocaba a músicos jóvenes en los que él adivinaba el talento ideal para poder darle forma musical a su imaginería. También había escuchado a Jimi Hendrix ("Miles Runs the Voodoo Down", es una suerte de homenaje al guitarrista), y estaba fascinado con el bajo eléctrico, los teclados, el piano Rodhes, la guitarra eléctrica y las facilidades que presentaban las por entonces nuevas técnicas de grabación.

El experimentado y reconocido trompetista ya había transitado todas las modas que se habían cruzado en su carrera: bebop, hardbop, cool, jazz eléctrico y diversas fusiones. (Lo seguiría haciendo las dos décadas siguientes hasta llegar al último álbum de su vida, Doo Bop (1991), en el que comenzó a coquetear con el hip hop.)

El bienio 1969/70 es un hito en la búsqueda de nuevas formas expresivas. De hecho, el tema "Bitches Brew", de 26 minutos de duración, es lo más logrado en ese aspecto: no hay arreglo ni melodías ni ritmos bailables ni letras fáciles de retener. Todo es una confluencia de sensibilidades que a cada escucha obtiene reacciones distintas.

Ese mismo año, 1970, participó en el Festival de la Isla de Wight. Tras una actuación de 38 minutos ininterrumpidos, al bajar del escenario le preguntaron cómo se llamaba esa música. "Llámala como quieras", dijo. Había marcado el comienzo de un nuevo camino.

Wilco - "Sky Blue Sky" [2007]

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El próximo 14 de mayo Wilco publicará el sucesor de "A Ghost Is Born", el quinto álbum del grupo liderado por Jeff Tweedy llevará por título "Sky Blue Sky".

Este último disco del señor Jeff Tweedy y compañía demuestra que el rock más elegante que existe en la actualidad viene bajo la etiqueta de Wilco. Sonidos sencillos, suaves y puros para construir una música emocionante con momentos de lujo.

Doce canciones que bien retratan la estacionaria conciencia colectiva que se carga esta banda hoy en día. Sky Blue Sky es un disco que bien podría pasar a la historia por su gentileza poética y musical. Guitarras que deleitan al oído más exigente y lírica compuesta en la que posiblemente sea la hora mas fina de Jeff Tweedy.

Este álbum en específico es la respuesta natural de lo que la escena independiente de hoy en día ha traído consigo tras una oleada inminentemente irracional: conciencia individual sin prejuicios y sin pretensiones.


Track list:

1.- Either way
2.- You are my face
3.- Impossible Germany
4.- Sky blue sky
5.- Side with the seeds
6.- Shake it off
7.- Please be patient with me
8.- Hate it here
9.- Leave me (like you found me)
10.- Walken
11.- What light
12.- On and on and on

Lo "Nuevo" de Guns N' Roses

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Desde que se separaran allá por 1996, Axl Rose viene amagando por sacar un disco bajo el nombre de Guns N' Roses pero sin sus compañeros de siempre.

En 1998 Axl Rose volvió a los estudios acompañado por el batería Josh Freese (de the Vandals), el bajista Tommy Stinson (integrante de The Replacements), el guitarrista Robin Finck (integrante de Nine Inch Nails), el guitarrista Paul Huge (aka Paul Tobias), y el tecladista Dizzy Reed.

En 1999, el grupo sacó una nueva canción, Oh My God, que fue incluida en la banda sonora de El fin de los días. Esta canción era el preludio del nuevo disco, Chinese Democracy. GNR también sacó a la venta Live Era 87-93, un recopilatorio de la formación original del grupo grabada entre 1987 y 1993 en distintos conciertos. A finales de ese año, Finck volvió a Nine Inch Nails a grabar "Fragile."

En el año 2000, el excéntrico guitarrista Buckethead se unió a Guns N' Roses.



La nueva formación volvió a los escenarios en enero de 2001 con dos grandes de gran expectación, uno en Las Vegas y otro en Río de Janeiro. Formaron parte Axl Rose, los guitarristas Buckethead, Robin Finck, y Paul Huge, el bajista Tommy Stinson, los teclistas Dizzy Reed y Chris Pittman, y el batería Brain (integrante de Primus), el grupo tocó una mezcla de éxitos anteriores y nuevas canciones de su esperado disco. La formación hizo dos conciertos en Las Vegas a finales de 2001. Durante 2002, el guitarrista Paul Huge deja el grupo y es substituido por Richard Fortus, integrante de Love Spit Love. El grupo celebró varios conciertos en agosto de 2002, incluyendo conciertos en Asia y Europa, y volviendo a New York para su repentina aparición en los MTV Video Music Awards.

La primera gira del grupo desde 1993 presentó problemas. El primer concierto, en Vancouver fue cancelado porque Axl no se presentó a tiempo. Se produjo un motín. La gira siguió como estaba prevista y tuvo resultados diversos. Algunos conciertos no llenaron lugares pequeños, mientras que algunos como los de New York o Boston vendieron todas sus entradas en minutos. Debido a la no comparecencia de Axl en Philadelphia y el resultado del motín de provocado por los fans, Clear Channel, el promotor de la gira, canceló el resto de conciertos. A noviembre de 2004 el grupo no ha vuelto a tocar desde el concierto del 5 de diciembre de 2002 en el Madison Square Garden en Nueva York.

Informes del grupo de 2001 y 2002 decían que Chinese Democracy sería lanzado a finales de esos años por Interscope/Geffen Records, con quienes parecía que habían arreglado las diferencias (si es que las hubo). A pesar de las protestas de Rose, legales y de otra índole, Geffen sacó a la venta Guns n' Roses' Greatest Hits el 23 de marzo. También Cleopatra records sacó el disco "Hollywood Rose: The Roots of Guns N' Roses" a principios de verano. De nuevo, Rose no pudo parar este lanzamiento.

En 2002, Q magazine nombró a Guns N' Roses en su lista de "Los 50 Grupos que deberías ver antes de morir", también en una sub-lista de los "5 grupos que pueden evolucionar de cualquier manera".

En marzo de 2004 Buckethead deja la banda, obligando a Axl Rose a cancelar el concierto del 30 de mayo en el Rock in Rio 4 (Lisboa, Portugal), incorporándose posteriormente a la banda, sustituyéndole, Ron Thal "Bumberfoot", desde mediados de 2006.

Durante los meses de mayo y junio de 2006 los nuevos Guns N' Roses han actuado, tras un precalentamiento de 4 conciertos en Nueva York (en la prestigiosa Hammerstein Ballroom), en varios países europeos, comenzando el día 25 de mayo de 2006 en Madrid y siguiendo el día 27 de Mayo en el Rock in Rio de Lisboa (en la votación de la página web del evento Guns N' Roses fue el grupo con más votos para ser incluido en el festival), para presentar (de nuevo) el nuevo disco (que finalmente según declaraciones de Axl en la radio saldrá por fin a finales de otoño), para posteriormente actuar en Inglaterra, Hungría, Alemania, 2 veces más en España (Bilbao y El Ejido), Italia, Polonia, Rep. Checa, Bélgica, Suecia, etc.


El escandalo, sin embargo, no abandona a Axl Rose, que se peleó en Mayo de 2006 un pub neoyorquino con el afamado diseñador Tommy Hilfiger (al cual posteriormente le dedicaría la canción "you're crazy" en un concierto acustico en el cumpleaños de la actriz Rosario Dawson), así como fue detenido a principios de Julio de 2006 en Suecia a altas horas de la madrugada en estado ebrio tras pelearse e incluso morder a guardias de seguridad de un establecimiento nocturno...

El nuevo disco titulado por Axl Rose como "Chinese Democracy", con nueva fecha para el otoño americano del año 2006, tendría incluidos nuevos trabajos de larga duración y complejidad, entre ellos; There Was A Time, Better, I.R.S. y Catcher In The Rye (este ultimo con la colaboración de Brian May), que ya fueron presentados durante el tour europeo y norteamericano en el transcurso del año 2006.

Basicamente, en este tour mundial revisan en casi su totalidad el repertorio de "Appetite for Destruction", más algunas canciones de "Use Your Illusion" junto la presentación de algunas de las nuevas canciones de "Chinese Democracy". Cuenta además con las intervenciones en casi todos los conciertos de los invitados Sebastian Bach (ex vocalista de Skid Row) y el "ex" Izzy Stradlin.

A partir del 20 de Octubre Guns N' Roses regresa para dar una gira por Norte America (cuyas fechas warm-up fueron realizadas en Las Vegas, San Francisco y Los Angeles en el aniversario de la emisora KROQ). Además, el pasado 29 de Septiembre se lanzo la nueva página oficial gunsnroses.com con junto al sistema de reservas de la MLB.com para la venta masiva de boletería para la gira norteamericana. Distinto rumores que se han publicado dicen que tal vez "Chinese Democracy" salga un martes de diciembre de este año pero no está confirmado.

En noviembre de 2006 se sumó a la banda el baterista Frank Ferrer para reemplazar a Brian Mantia, quien había tenido un hijo hacia algunas semanas. Posteriormente, se confirmaría que Guns N' Roses actualmente cuenta con dos bateristas. Finalmente, La ultima fecha tentativa de lanzamiento estaba fijada para algun martes antes de que finalizara el 2006 ( amparados en los rumores que surgían desde la revista Rolling Stone), sin embargo, el abum no sería lanzado este año tampoco.

El 15 de Diciembre de 2006, Axl Rose publica una carta abierta en el sitio oficial de Guns n roses y por primera vez en muchos años, se arriesga a anunciar una fecha oficial para el lanzamiento del album:6 de marzo de 2007. Rose también deja ver que esta fecha es aproximada, afirmando lo siguiente: " "Esta es la primera vez que programamos una fecha para este álbum. Otras fechas que han circulado fueron inventadas por otros, por sus propias razones.
"Ahora, queremos asegurarles a los fans que trataremos de hacer todo lo posible para editarlo en esa fecha tentativa. Una vez que el álbum esté terminado, serán notificados de manera oficial. "Si llegáramos a retrazarnos por diversos motivos de ahora en más, serán notificados inmediatamente, y anunciaremos una nueva fecha de lanzamiento lo más cercana posible. Les agradecemos su paciencia."

Con la carta, Rose cancela varios Shows: 10 de enero de 2007 en Sacramento, 11 de enero en Bakersfield, 13 de enero en Reno, 16 de enero en San Diego. Justificando que la banda debe preparar el material que lanzará y que concentrará sus energias en el nuevo album. La carta también justifica los retrasos y pide disculpas a todos los fans en el mundo por la tardanza del album.

Y así seguimos esperando, pero mientras tanto aquí tenemos estas maquetas de adelanto del "nuevo" álbum.

Track list:

1. Better
2. I.R.S.
3. Catcher In The Rye
4. Madagascar
5. There Was A Time

20 Años Del Joshua Tree !

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Reseña

Joshua Tree es el disco más importante de U2 y uno de los más importantes de la historia del rock siendo frecuentemente elegido por la crítica especializada como uno de los mejores de la historia de la música. El lanzamiento de The Joshua Tree marcó un punto de inflexión, los convirtió en la mejor banda de rock del mundo y una de las más grandes de la historia.

Poco se puede decir ya de un álbum que cambió por completo la música de aquel momento, y que vendió la friolera de 25 millones de copias por todo el mundo. En este LP continúan con el camino iniciado en The Unforgettable Fire. La labor de Eno y Lanois ha logrado que la guitarra de The Edge evolucione hacia nuevas dimensiones, la base rítmica cumpla con sobrada efectividad su trabajo y la voz de Bono adquiera la madurez definitiva, con matices que llenarán cada uno de los versos del disco.
Los temas que trata U2 siguen siendo los mismos que en otras ocasiones; la espiritualidad, aunque entendida de distinta forma a como lo hacían en October, y el compromiso político que empezaron a adquirir en War.

Ediciones especiales

En Suecia, se imprimieron copias de The Joshua Tree en amarillo, rosa y verde, con la misma portada que en el Reino Unido. La edición en rosa es la más común de las tres. En Méjico, una edición en CD fue publicada como parte de la colección Millenium con una portada diferente.
Ya en 1999, se publicó una edición en CD especial con la portada dl vinilo original (la portada en CD era ligeramente diferente, un poco difuminada).

El disco en datos

The Joshua Tree ha sido también el disco más vendido en la historia de U2.
Antes del lanzamiento hubieron grandes colas y en menos de 48 horas se agotaron todas las existencias en UK, convirtiéndose en el disco más vendido de la historia en su primer fin de semana.
Joshua Tree fue No. 1 en 22 países como España, Reino Unido, Canadá, Australia... en Suiza llegó a estar 33 semanas consecutivas en lo alto de las listas. En Estados Unidos entró en el puesto 7, aunque después estuvo en el primer puesto durante nueve semanas. Era el primer disco en llegar al No.1 en los Estados Unidos.
En 1999, The Joshua Tree fue consiguió el disco de Diamante, la más alta certificación en ventas, con 10 millones de copias vendidas.

U2 ganó tres Grammy en el 1987 por el disco: "Album Of The Year", "Best Rock Performance by a Duo or Group" ( este último por I Still haven't found what I'm looking for) y"Best Video Short Form" por Where The Streets Have No Name.
Los lectores de Rolling Stone votaron the Joshua Tree como Mejor Álbum y Mejor Portada.

Comentarios

‘Muchas canciones son las que grabamos en la habitación de Larry o el salón de Ada. Cuando la luz roja se enciende no solemos responder. Cuando simplemente nos dejan hacer, componer la múscia a nuestra manera, muchas de las canciones eran como maquetas. Tuvimos que luchar para hacerlas funcionar y hay muchas canciones en el camino, y podría haber ido en muchas direcciones diferentes. Nosotros teníamos la idea de un disco como un todo'
Bono, Marzo 1987

Curiosidades

Desde que se escucharon los primeros rumores de la publicacion de "The Joshua Tree" siempre se insistia en que el disco seria doble. Al salir a la luz vimos que no era así. Pero tenemos datos que apuntan a que si que lo era. Se publico un caja con tres singles titulada "The 7 Missing Tracks" (Las siete pistas perdidas). Incluso en algunas entrevistas, Bono declarabó que canciones como "Luminuos Times (Hold On To Love)" o Walk To The Water" eran continuacion de "With Or Without You", y que no se podían entender sin escuchar la trilogía completa.
Esta que sigue es una hipotética lista completa del doble album que pudo ser "The Joshua Tree":



Para la grabación de "Bullet the blue sky" la banda tenía dos finales de canción. Uno de ellos era Outside is the world (fuera esta el mundo) y el otro el que finalmente se publicó, acusando a los EEUU, Outside is America. Al parecer el que tomó la decisión final fue el propio Paul McGuinness.

La actriz de television Rebecca Schaeffer fue asesinada en 1989 por Robert John Bardo (21 años). Robert, fan de U2, aseguro en su defensa que el motivo que le llevo a cometer el asesinato fue la cancion "Exit", en particular la estrofa "pistol weighing heavy".

Notas
Producido por: Daniel Lanois y Brian Eno
Edición adicional: Dave Meegan con Pat McCarthy
Estudio: Windmill Lane, Dublin Ireland
Mezclado por: Steve Lillywhite
Grabado por: Flood

© 1987 Island Records, Inc.

Fuente: U2 East Link


Critica de Rolling Stone Usa.
5 Stars !

Los pasos que hay que dar son enormes, y U2 lo sabe. Su último álbum, The Unforgettable Fire, contenía "Pride (In the Name of Love)", su tema más exitoso de la historia, y el año pasado la banda fue el corazón musical de la gira del Amnesty International´s Conspiracy of Hope. Ahora, parece que U2 está por elevarse del nivel de los meros grupos de platino al aire más rarificado que hay encima. Para una banda que siempre se especializó en gestos inspirados, grandilocuentes -una banda decidida firmemente a ser Importante- The Joshua Tree podría ser algo muy importante, y así es precisamente cómo suena.

Eso por no decir que este disco es o bien una flagrante movida comercial o un nuevo Born in the U.S.A. The Joshua Tree es el álbum más variado, sutil y accesible de U2, aunque no contiene ningún hit seguro. Pero en su rudeza musical y en su espiritualidad de espíritu fuerte, el álbum le hace honor a su nombre: un árbol sólido y retorcido que crece en los desiertos rocosos del suroeste norteamericano. Una leyenda mormona cuenta que los primeros pueblos que se asentaron allí le decían "la planta de los rezos" al árbol de Josué, porque sus ramas enroscadas simbolizan al profeta Josué del Antiguo Testamento señalando el camino hacia la Tierra Prometida. El título da nombre a un disco que habla de la resiliencia en medio de la desolación social y política, un disco inmerso en la imaginería religiosa.

Desde que U2 surgió en Dublín en 1980 con su marca personal de rock emocional basado en guitarras, sus álbumes vienen siguiendo un patrón. El primero y el tercero ( Boy y War ) eran musculares y afirmativos, llenos de bravura juvenil y furia social, respectivamente. El segundo y el cuarto ( October y The Unforgettable Fire ), álbumes de estudio, eran espirituales y zigzagueantes, y a veces con más ideas que canciones potentes.

Pero The Joshua Tree no es un regreso al fuego de War. La banda hizo eso hace unos años: canciones como "Sunday Bloody Sunday" y "New Year´s Day" llegaron con una fuerza imponente en el álbum de 1983 y la gira consecuente. Pero U2 se encontró con el peligro de convertirse en una banda arengadora de estadios más, entonces el grupo cerró ese capítulo con un álbum en vivo y un video. La banda decidió cambiar a su productor de siempre, Steve Lillywhite por Brian Eno y Daniel Lanois y, con The Unforgettable Fire, declaró su intención de no ser más implacablemente heroica.

En el nuevo álbum, U2 continúa trabajando con Eno y Lanois, incluye a Lillywhite en la mezcla de cuatro canciones y moldea las diversas texturas de The Unforgettable Fire en canciones bien formadas, muchas de las cuales son tan agresivas como los hits de War. Las marcas personales sónicas de U2 están aquí: la angustia monumental de la voz de Bono, el pulso potente del bajo de Adam Clayton y los parches de Larry Mullen, y el aullido estremecedor de la guitarra de The Edge. Pero para cada predecible rugido de himno hay un tema más liviano, arreglado con inventiva, como "With or Without You", un bolero rock & roll que se construye en base a un comienzo suave y un clímax resonante.

La banda sigue cayendo en algunas viejas trampas: la voz perpetuamente ronca de Bono puede sonar sobreactuada y egocéntrica; algunas de las imágenes (como el fuego o la lluvia) comienzan a perder fuerza tras una docena de usos; y "Exit", un psicodrama recitado sobre un asesino, es lo suficientemente extraña como para recordarnos que ni siquiera Patti Smith puede lograr regularmente este tipo de cosas.

De todos modos, más que ningún otro álbum de U2, The Joshua Tree tiene el poder y el carisma necesarios para seducir y capturar a un público masivo en sus propios términos.

Sin hacer exhibicionismo de su eclecticismo, el disco incluye rock afirmativo ("Where the Streets Have No Name"), frenesí crudo ("Bullet the Blue Sky"), delicadeza ("One Tree Hill"), ritmos pegadizos ("I Still Haven´t Found What I´m Looking For") e incluso climas de blues acústico ("Running to Stand Still") -todo, inconfundiblemente U2.

Pero esto es un salto, y un salto lúgubre y sombrío. Al comienzo, declaraciones refrescantemente honestas y románticas alternan con una inquietante imaginería religiosa. Luego las cosas se ponen más negras. La furiosa y melodramática "Bullet the Blue Sky" une el fuego bíblico y sulfúrico con la violencia en los Estados Unidos y en su país de origen. En el rock rítmico y armónico de "Trip Through Your Wires", lo que parece la salvación podría fácilmente ser seducción diabólica; "One Tree Hill" es una bendición suave y encantadora para un integrante del equipo técnico de U2 quien murió en un accidente de motocicleta; y "Red Hill Mining Town" tiene ecos de "Don´t Give Up" de Peter Gabriel en su profunda mirada hacia las relaciones personales arruinadas por las crisis económicas -aquí, como consecuencia de la extensa y fracasada huelga de mineros británicos en 1984.

Pero con toda su sordidez, el álbum nunca es una diatriba de golpes bajos. Después de escuchar varias veces "Running to Stand Still", por ejemplo, se percibe la notoria música: el inesperado blues del slide de guitarra, los suaves quejidos estilo Nebraska, la fantasmal armónica. Suena como un sueño adorable y pacífico, excepto que este es el sueño de un drogadicto, y cuando uno se da cuenta de eso, la amable canción de cuna adquiere un poder corrosivo que recuerda a "Bad", de su último LP.

The Joshua Tree es una apropiada respuesta a la época, y un cuadro de situación que ningún U2 ha pintado antes: la visión de las esperanzas acabadas, la violencia sin sentido y la angustia. Pero esta no es una banda que se rinde ante el destino. Su último álbum terminaba con una grandiosa elegía a Martin Luther King Jr.; The Joshua Tree cierra con una hechizante oda a otras víctimas. "Mothers of the Disappeared" está construida en torno a desoladas imágenes de pérdida, pero el mensaje es de consuelo y restauración, una música de una enorme tristeza pero también de una indecible compasión, aceptación y calma. Este álbum se podría llamar The Unforgettable Chill [el escalofrío inolvidable], e inolvidable es sin dudas la palabra correcta.
Un álbum para no olvidar nunca y para recordar por siempre.

Por Steve Pond - RS 497 - 9 de abril de 1987

Adiós al "Darno"

Esta madrugada, a los 53 años, falleció Eduardo Darnauchans, un “songwriter” -como él gustaba definirse- de la música popular uruguaya. Con más de 30 años de trayectoria “El Darno” fue una de las figuras centrales de la música nacional por su particular estilo de composición e interpretación. Hacía tiempo enfrentaba problemas de salud que el año pasado provocaron una prolongada internación, a raíz de una operación de cadera.

Su discografía comenzó en 1972 con "Canción de muchacho", luego vino "Las Quemas", en 1974, y su consagración se dio con "Sansueña", en 1978. En 1980 grabó "Zurcidor", "Nieblas & Neblinas", en 1984, "El trigo de la luna", en 1989, "Noches blancas", en 1992, "Entre el micrófono y la penumbra" (en vivo, en 2001 con la producción de Fernando Cabrera), "Canciones Sefaradíes", también en vivo en 2004 y "El Ángel Azul", su último trabajo, en 2006.


Eduardo Darnauchans - Sansueña (1979)

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