lunes, abril 30, 2007

The Jesus And Mary Chain


"Walking back to you
Is the hardest thing that
I can do
That I can do for you
For you
"


Muchos nos emocionamos al escuchar estas palabras mientras veíamos a Bill Murray, en su personaje de "Bob Harris", alejarse en una "limo" de Charlotte (Scarlett Johansson) mientras Sofia Coppola nos mostraba la ciudad de Tokio.
La canción se llama "Just Like Honey", que fue escrita por los hermanos William y Jim Reid, y abre un álbum fundamental de los 80's, el maravilloso "Psychocandy" de 1985. Pero "The Jesus And Mary Chain" es mucho más que esto, es una de las bandas más influyentes de su generación.

Escena final de "Lost In Translation".


Desde hace un tiempo que en materia musical estamos en época de reuniones: The Pixies, Rage Against the Machine, My bloody Valentine, Crowded House, Smashing Pumpkins y The Police son un ejemplo de esta tendencia. Este articulo está dedicado a otra de las grandes reuniones del momento: la de The Jesus and Mary Chain.
Desde que empezaron a circular los rumores del regreso de la banda para tocar en la edición 2007 del Coachella Valley Music and Arts Festival, la noticia se extendió como reguero de pólvora en fansites, blogs y sitios especializados.

El ya mencionado "Psychocandy" fue su primer disco, con su sonido "noise" mas representativo, con canciones como "Upside Down" o la lluvia de feedback de "Never Understand" y los climas lisérgicos de "Some Candy Talking" y "You Trip Me Up", conforman un disco que se ha transformado en clásico y es reverenciado como uno de los mas importantes (e influyentes) de la década "yuppie".

Vuelven en 1987 con "Darklands", un disco de un sonido mas limpio y pop, William Reid y su melancólica voz asumen un rol claramente protagónico, cosa que podemos ver en "Happy when it rains" .
La banda llegó a ser tan popular que hasta Dolly Parton terminó invitándolos a su programa de TV (si sabía o no quienes eran es otra cosa).

Su tercer disco, "Automatic" de 1989, no termina de convencer.
Sin embargo este álbum también tiene sus puntos altos: "Head On", canción de la cual los Pixies hicieron un cover en su disco Trompe le Monde, y el tributo a Bob Dylan "Blues From a Gun".
A pesar del retorno a un sonido más violento en Automatic, la actitud de los Reid discurrió por un camino opuesto, siendo cada vez menos agresivos y con una notoria disminución de la violencia asociada a sus shows.

En Honey’s Dead (1992) los hermanos Reid parecen haber retomado la potencia y la irreverencia de los primeros años, hecho que se confirma en el single ‘Reverence’ y su (otra vez) polémica letra “I wanna die just like Jesus Christ, I wanna die just like J.F.K.”, canción que fue prohibida tanto en las radios como en la televisión.
Afortunadamente en Honey’s Dead las máquinas son reemplazadas por un baterista de verdad en la mayoría de los tracks (Steve Monti) y el retorno a su sonido más característico culminó en la entrega de un disco mucho mejor que el anterior y que hizo guardarse sus malas críticas a todos los detractores de la banda. El aporte de Monti fue crucial en la recuperación creativa y sonora que había mostrado un declive en el disco anterior, por lo que en cuanto a su participación Monti puede ser considerado como un nuevo Gillespie. Sin embargo y aunque los discos puedan seguir siendo bien recibidos, la fórmula efectivamente se está empezando a agotar y es que llega un momento en que uno se da cuenta que los Mary Chain han estado componiendo las mismas cinco canciones desde que nacieron como banda.

Con el inicio de 1994 llega el quinto álbum de estudio de los hermanos Reid, el sonido sigue un camino completamente distinto al agresivo y distorsionado de sus anteriores discos, retomando una dirección mucho más acústica y apacible como la esbozada en Darklands.

El hecho de que William Reid estuviese saliendo por esa época con Hope Sandoval (de Mazzy Star) fue muy beneficioso porque aprovecharon de utilizar su melodiosa voz para cantar a dúo con Jim Reid en ‘Sometimes Always’. Otra voz invitada es la del etílico Shane Macgowan de the Pogues en el track ‘God Help Me’. Además y por primera vez desde Psychocandy, la banda graba este disco con una formación completa y sin intervención de máquinas, estando nuevamente presente Steve Monti en la batería.
Es en este disco donde queda más en evidencia el lado pop de las melodías de los Mary Chain, hecho que se resalta con la cálida vocalización de William Reid. El clima general es de un maduro letargo, que queda de manifiesto en el título de álbum: “volados y destronados”.

Después de cuatro años sin sacar nada nuevo, los JAMC lanzan Munki bajo el sello Creation, luego de que Blanco y Negro rechazara el disco. “Es gracioso porque la idea para este álbum era que entramos y lo sacamos en tres semanas, para luego lanzarlo un mes después. Nos dimos cuenta que nunca habíamos hecho un disco que sonara como si la banda llegara, se armara y empezara a darle, y eso era lo que queríamos hacer. Y luego se convirtió en una pesadilla. Comenzamos con algunas canciones y luego no volvimos a ellas por alrededor de un año. William y yo casi terminamos matándonos durante la realización de este álbum”, dijo en una ocasión Jim Reid. Pero a pesar de todo el trabajo y esfuerzo invertido en Munki nada dio resultado, pues el álbum aparece como un refrito de la antigua fórmula mágica, hecha y rehecha, pero con la diferencia que esta vez no funcionó para nadie. La relación entre los hermanos Reid estaba hecha pedazos y Munki fue su último disco antes de la disolución de la banda.

En 1998 JAMC andaban de gira y los ánimos estaban bastante revueltos. El 12 de septiembre, William tuvo una discusión con el guitarrista Ben Lurie justo antes de tocar en el Los Angeles House of Blues en un espectáculo con todos los boletos vendidos. Luego y durante el show, la discusión fue entre los hermanos Reid, lo que terminó con William dejando la banda. Ese show fue considerado como una de sus peores apariciones en vivo, tanto así que se le reembolsaron las entradas al público. La banda terminó su gira americana y japonesa sin William, pero la separación de los Mary Chain no fue oficial hasta octubre de 1999.

Para quienes quieran descubrirlos les traemos este perfecto "21 Singles 1984 - 1998", que en mi entender es uno de los pocos recopilatorios que consiguen su objetivo, que es el de recopilar y mostrar lo mejor de un artista.

Imprescindibles.

21 Singles 1984 - 1998


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domingo, abril 29, 2007

Bjork - Volta [2007]

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La cantante islandesa Bjork publicará el próximo 7 de mayo su nuevo disco, 'Volta', ha informado hoy su discográfica, Universal.

El sexto disco en estudio de Bjork, que editará el subsello One Little Indian, incluirá diez temas nuevos y originales escritos y producidos por la propia Bjork.

En el álbum, han colaborado Antony Hegarty (Antony and The Johnsons) cantando en dos temas, mientras que Timbaland (Jay Z, Missy Elliot) ha trabajado en las bases rítmicas de tres de las nuevas canciones.

Otro de los artistas que han participado son Mark Bell (LFO), los baterías Chris Corsano (Sonic Youth) y Brian Chippendale (Lightening Bolt o los africanos Toumani Diabate y Konomo.

Asimismo, Bjork ha reunido en 'Volta' a su propia banda islandesa de metal, formada por mujeres y que participa en tres canciones, y también la prestigiosa Min Xiao-Fen (Chinese Pipa) aparece en un tema.

[EFE]

Tracklist

01 Earth Intruders
02 Wanderlust
03 Dull Flame of Desire
04 Innocence
05 I See Who You Are
06 Vertabrae by Vertabrae
07 Pneumonia
08 Hope
09 Declare Independence
10 My Juvenile
11 Earth Intruders (Mark Stent Exten...)
12 Innocence (Mark Stent Mix)
13 I See Who You Are (Mark Bell Mix)


Bjork - Wanderlust en Saturday Night Live

miércoles, abril 25, 2007

Arctic Monkeys - Favourite Worst Nightmare [2007]


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Numerosas veces deben de haber leído, o escuchado, sobre los traumas que se generan en ciertas bandas exitosas rápidamente cuando tienen que afrontar el segundo disco, pues este "traumático" paso de los Arctic Monkeys no lo ha sido tanto, y si bien no llega a causar el impacto de "Whatever People Say I Am, That's What I'm Not", consigue entretener y logra que el crédito dure un poco mas.

Riffs mas fuertes (pero con menos impacto que en su primer disco), buenos cortes y melodías pegadizas, son lo primero que destaca de este segundo disco.
Entre las canciones, y con pocas escuchas, el primer corte "Brianstorm", "505" y "Do Me A Favor" se presentan como las canciones más explosivas, así como las que tienen más olor a hit.

La prensa británica ya ha elogiado el álbum diciendo cosas como estas de Pete Paphides, periodista de The Times:

¿Qué continuación puede tener el mejor álbum de debut en los últimos años? En el caso de los Arctic Monkeys, el mejor segundo álbum. Es un sueño hecho realidad

Por una vez, el énfasis se ha puesto en la banda y en la música, y la gente está menos preocupada de si será más grande que el primer álbum. La gente está diciendo simplemente que está muy bien, y (el grupo) ha logrado pasar el temido síndrome del segundo disco”.


El tiempo los pondrá en su lugar, pero definitivamente no son una banda más, o por lo menos no para la prensa inglesa.
Hoy son una buena banda con un par de discos entretenidos, lo que no es para nada poco.

Tracklist:

1. Brianstorm
2. Teddy Picker
3. D Is For Dangerous
4. Balaclava
5. Fluorescent Adolescent
6. Only Ones Who Know
7. Do Me A Favour
8. This House Is a Circus
9. If You Were There, Beware
10. The Bad Thing
11. Old Yellow Bricks
12. 505


Video de "Brianstorm"

sábado, abril 21, 2007

Patti Smith - Twelve [2007]


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Un fugaz cruce con Jimi Hendrix, en 1970, en los pasillos del Electric Lady Studio; las canciones de Street Legal , de Dylan, como banda de sonido de los primeros tiempos de Detroit, en su nueva casa y su nueva vida; "Gimme Shelter", versión del Apocalipsis según los Rolling Stones con énfasis en la mente, mientras viaja a Francia para visitar la tumba de Rimbaud; Fred Sonic Smith y sacando uno por uno los temas de un disco de Paul Simon. La pandereta que le hizo Robert Mapplethorpe y le regaló para su cumpleaños, con signos incluidos, en 1967. Y, mucho después, de nuevo un aullido de rock and roll con Nirvana.

Patti Smith la poetisa; Patti Smith la cantante y compositora; Patti Smith, la amiga eterna de Robert Mapplethorpe; Patti Smith, la artista que cree en el rock como poderosa fuerza cultural decidió ahora, a los 60 años, convertirse en intérprete, en médium, y grabar un disco de temas ajenos para hacer con ello una suerte de biografía, musical y rockera. Se trata de doce canciones que de una y otra manera fueron significativas en su vida. Algo que ella misma se encarga de esclarecer, canción tras canción, en el libro interno.

No es la primera vez que Smith elige hacer versiones que son homenajes. Su primer simple fue "Hey Joe" (que no, no es de Hendrix, pero que la hizo como nadie) y su álbum debut comienza con "Gloria", de Van Morrison. Pero es extraño que alguien que insiste en que, parafraseando a Celaya, el rock es un arma cargada de futuro, decida mirar hacia atrás. Tal vez para contrarrestar el hecho de vivir en el país del mundo con más armas en manos privadas (otras armas, 200 millones de armas), decida sí, mirar hacia atrás, para recuperar sueños e ideales. Claro que, en esta mirada, Patti Smith suma su propia interpretación, su espíritu, sus años de rock.

Nadie que haya escuchado su endemoniada versión en vivo de "Gimme Shelter" podrá olvidarlo. La que se encuentra en el disco no tendrá el mismo poder, esa sensación de estar viviendo un momento de prodigio y de fugacidad (así como sucede con el disco nuevo de Iggy Pop y The Stooges, lejos de la energética versión de sí mismos en vivo), aunque aquí se sumen Flea de los Red Hot Chili Peppers y Tom Verlaine, ex Television y su amigo de toda la vida.

Sí es cercano al prodigio lo que logró con "Smell Like Teen Spirits". El tema de Kurt Cobain (a quien le dedicó en 1996 el tema "About a Boy") adquiere una dulzura y un dolor que está lejos de la rabia que expresaba Nirvana y, con los banjos que aporta Tom Shepard (dramaturgo y otro viejo amigo) toma un giro bluegrass que hace viajar al Mississippi.

El disco comienza, ahora sí, con Hendrix y una versión de "Are You Experienced?"; entrega una bellísima y serena versión de "Helpless", de Neil Young (en la que Lenny Kaye, su eterno compañero de banda, toca la guitarra clásica que compró en noviembre, en Buenos Aires); sorprende al elegir un tema, "Everybody Wants to Rule the World", de Tears for Fears; hace honor a la mujer cantando rock con el tema "White Rabbit", de Jefferson Airplane (en el que revela que fue Grace Slick quien más la impactó en esas lides) y al que le pone apropiados y sesentistas toques psicodélicos.

Elige entre el amplio repertorio dylaniano un tema poco transitado de, "Changing Of The Guards" (de Streel Legal). "Tratando de entender la emoción que producía en mí, decidí despojarlo, concentrándome en la letra, como si fuera un poema", explica, sobre el tema que, entre los doce, fue el que más desafío implicó para ella y en el que su hija hace coros.

"Within You Without You", de los Beatles; The Boy in the Bubble", de Paul Simon; "Soul Kitchen", de los Doors; "Midnight Rider", de Allman Brothers y "Pastime Paradise", de Stevie Wonder completan el rockero homenaje.



Patti Smith - Smells Like Teen Spirit

jueves, abril 19, 2007

El Año De Los Regresos - The Who, Genesis y Police.


Ahora sabemos que The Who, una de las bandas fundacionales y fundamentales de la historia del rock, vuelve al ruedo. No importa demasiado que Pete Townshend sufra problemas de sordera: vamos a poder verlo en acción, con toda esa historia que lleva sobre sí como uno de los guitarristas más explosivos de la segunda mitad de los años 60, al lado del otro líder de la banda, el cantante Roger Daltrey.

Uno de los guitarristas notables de la era de los guitar heroes (con competidores de la estirpe de Jimi Hendrix, Eric Clapton y Jimmy Page, entre otros), Townshend se distingue por sus riffs furiosos y sus no menos furiosos finales de shows, cuando estrellaba su Fender Stratocaster contra el Marshall.

También sabemos que la formación más exitosa de Genesis (la que dominó las décadas del 80 y del 90) vuelve al ruedo por un rato, aunque no se sabe si el reencuentro incluye nuevo álbum o una extensa gira.
Phil Collins (que también sufre problemas de sordera), Mike Rutherford y Tony Banks anunciaron su reencuentro, y la conferencia de prensa se transmitió en directo por su página de Internet. Atrás quedó el intento fallido que en 1998 realizó el grupo sin Collins. Ahora, al parecer, tienen la intención de revivir aquellos momentos de grandes shows a cargo de instrumentistas notables.

En los últimos días se confirmó el regreso de The Police, otra gran banda, pero de fines de los años 70. Sting, Andy Summers y Stewart Copeland habrían realizado ya varios encuentros secretos para preparar unos shows a mediados de este año, y mientras tanto Sting realiza una nueva gira solista.

Con sólo cinco discos de estudio y algunas extensas giras en la era pospunk, el grupo fundado en 1977 hizo su último tour en el 83, y en 1986 se editó un simple con un remix de uno de sus temas símbolo, Message in a Bottle . En ese momento dejaron en claro que ya nadie pensaba en una reunión (inmediata).

Sting desarrolló una sólida carrera solista. Summers hizo un par de discos exquisitos con Robert Fripp y varios solistas instrumentales. Copeland, mientras alimenta su colección de caballos de polo (por lo que visita constantemente nuestro país), hizo algunas interesantes bandas sonoras, algunas grabadas con músicos africanos.

Fue un gran trío. Hicieron canciones que hoy siguen siendo actuales. La reunión tal vez sea sólo porque quieren divertirse. Ojalá sea así, así divierten al público que creció mucho más cuando ya no existían como banda.

Genesis - The Platinum Collection



The Who: The Ultimate Collection



The Police - Every Breath You Take: The Classics



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miércoles, abril 18, 2007

Nine Inch Nails - Year Zero (2007)

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A estas alturas poca gente que conozca a NIN no ha escuchado el disco, pero de todas formas para los que estén esperando a que salga por fin (no tendrán que esperar mucho, ya que se publica este 16 de abril, de hecho si no quieren esperarlo pueden bajarlo de este mismo blog) les orientaré un poco sobre qué tipo de disco se van a encontrar.

El disco, se podría decir que es un trabajo raro, pero muy bueno. Es una vuelta de tuerca más del sonido de Trent Reznor, al que siempre le gusta ir por delante del resto del mundo en cuanto a sonidos se refiere. Se podría decir, que el With Teeth fue un disco creado para marcar las pautas de este nuevo trabajo.

Year Zero está formado por 16 canciones, que posiblemente para algunos lo conviertan en un disco un poco cansino.

Lo primero en que repararamos al escuchar el disco es la ausencia de todo tipo de metal ya que ni una sola canción puede llevar tal etiqueta. Podemos escuchar unas canciones con más ritmo que otras pero el metal brilla por su ausencia. Se nota una barbaridad que gran parte del trabajo está hecho por ordenador, circunstancia por la cual Trent Reznor ya fue criticado en su momento, lo cual es una tremenda estupidez, porque como el propio Trent declaró el ordenador es un instrumento más que no hace la música por sí solo.

Algunas de las canciones a tener en cuenta en el disco son Survavilism, que es el primer single del disco que tiene un estribillo raro pero que llama la atención enseguida y que es muy pegadizo. Me, I’m not, una canción lenta y quizás la más densa del disco, que recuerda a ligeramente a Sunna y los sonidos de fondo le dan un halo de misterio. Capitol G es un tema que resulta simpaticón y que por momentos está cantado como con cierta soberbia por parte de Reznor. The great destroyer que hasta el minuto 1:40 es una de las mejores canciones que he escuchado en los últimos años, una pena la parte instrumental a partir de ese minuto, que creo que deberían ser dos canciones diferentes.

En definitiva, un disco con sonidos muy experimentales pero con una calidad fuera de lo normal. Se podría considerar el Kid A de Trent Reznor.

De Mundo Musica

Manic Street Preachers - Send Away The Tigers (2007)

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Nicky Wire, bajista y letrista de la mayor parte de las canciones del grupo, comentó respecto a este nuevo álbum: “Para “Send Away The Tigers”, estuvimos escuchando “Everything Must Go” y conservamos el idealismo juvenil de “Generation Terrorists”, ubicándonos en las situaciones en que estábamos a los 18 ó 21 años, y reconectando todas las cosas que nos hacían emocionarnos entonces. Hemos escrito alrededor de 30 canciones y nos hemos concentrado con fiereza en realizar una buena selección, quedándonos con las mejores 10 canciones”.

Wire agregó: “Cuando iniciamos con todo el proceso estábamos los tres, en un cuarto de ensayo… A veces tienes que aprender de tu pasado. James se puso a tocar unos solos en guitarra impresionantes y Sean se puso en el plan ‘Stop Wanking’. Nos hizo sentirnos liberados. Empezamos a escribir para “Send Away The Tigers” a fines del 2005 y a grabar a principios de marzo del 2006 con Dave Eringa. El álbum fue grabado en los Stir Studios de Cardiff y en Grouse Lodge de Conty Westmeath en Irlanda. Terminamos en noviembre de 2006, y nos ocupamos de las mezclas en California con Chris Lord-Alge (Green Day, My Chemical Romance)”.

Nicky Wire comentó respecto a las influencias del grupo y al origen del peculiar título del álbum: “The Clash y Sex Pistols son nuestras más grandes inspiraciones. Lo negamos por mucho tiempo pero lo son y en este disco hemos regresado a nuestra fuente. El título del álbum, ‘Send Away The Tigers’ proviene de una frase que el comediante Tony Hancock decía cada vez que empezaba a tomar; y de alguna manera existía un paralelismo con el hecho de que se liberara a los animales del zoológico en Bagdad cuando los aliados invadieron el país. Esconde una idea mal comprendida de liberación. Si no fuera por Irak y sus consecuencias históricas, Tony Blair habría sido considerado un gran Primer Ministro; ahora su vida está totalmente arruinada. En una escala más pequeña, sobre esta misma línea de pensamiento, hay algunas cosas que he dicho que son estúpidas e irracionales... Y esas son por las que seré recordado”.

En cuanto a su labor como letrista de las canciones, Nicky señaló: “Las hice menos nihilistas que las de mi álbum en solitario. En “I Killed The Zeitgest” tuve la oportunidad de abrazar el nihilismo en toda su belleza. Cuando nosotros empezamos pensábamos, por esa soberbia indie, que queríamos ser como Bruce Springsteen y The Clash... queríamos ser enormes. Querer estar fuera de los límites nos hacía ser los más comunes. Hoy día, con un poco de suerte, es nuestro idealismo – la idea de John Lindon de que la furia es una forma de energía- lo que nos hace ser distintos. Uno aprende a ser más directo. Sean ha escrito mucho con James para este disco. Y yo compuse la mitad de la música para el primer sencillo, “Your Love Alone Is Not Enough”, en el que nos acompaña Nina Persson de The Cardigans, una de las bandas a las que menos justicia se le ha hecho y una de las voces que más amo. Es una letra complicada. Lo que trata de explicar en un primer nivel es que cualquier elemento por sí mismo, no es suficiente para que una nación se sostenga. No puedes tener solamente religión, amor o democracia. Necesitas todos esos elementos para que un país sea una unidad coherente”.

Otras de las canciones abordan específicamente el tema del suicidio y Nicky Wire explica porque: “He conocido a demasiadas personas que acabaron con sus vidas. Cuando terminamos James dijo: “Grandioso. ¡Otra maldita canción sobre suicidio! Creí que habías escrito suficientes en tu disco solista”. Supongo que la gente pensará también que es una canción sobre Richey. Era parte de una banda exitosa, podría haber tenido una hermosa novia si hubiese querido, y todos nosotros lo amábamos. Pero... no era suficiente. Sea suicidio o no, eso no lo sabemos. Pero hay una línea que dice: “I could have seen for miles and miles/I could’ve shown you how to smile/I could’ve shown you how to cry” Es solamente un sentimiento de arrepentimiento. ¿Realmente pudimos haber hecho más?”.

Manic Street Preachers es un grupo bien cohesionado y respecto a su labor en conjunto, Nicky Wire señaló: “Supongo que la amistad entre nosotros nos ha ayudado a superar muchas cosas. Cuando los tres estamos juntos, sentimos que podemos hacer lo que queremos. Podemos decir lo que queramos y ninguno va a tomárselo demasiado en serio, trabajamos en conjunto en todo. Simplemente nos sentamos, platicamos, o no platicamos, leemos, miramos, escuchamos. Simplemente estamos juntos, es una cosa hermosa”.

De "La Palabra".

Travis - The Boy With No Name (2007)

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Travis presenta el quinto y nuevo álbum “The Boy With No Name”, un disco rockero y también dulcemente pop, menos oscuro que los anteriores.

The Boy With No Name se ha grabado en los estudios Rak de Londres bajo la producción de Nigel Godrich quien ya colaboró junto a Travis en sus anteriores The Man Who y The Invisible Band. Los de Glasgow ponen fin así a cuatro años de ausencia de nuevo material tras el lanzamiento de 12 memories (2003).

Algunos grupos son indiscutibles, pero este no es el caso de Travis.
Travis es una banda sencilla, con canciones pop dulces o melancólicas, que no sorprenderá por su innovación o por los riesgos que corren.
Eso si, Travis tiene magia y una vez que esa magia te llega logra enamorarte de por vida.

Un disco para disfrutar, para escuchar con la luz apagada.

Canciones:

1.3 Times And You Lose
2.Selfish Jean
3.Closer
4.Big Chair
5.Battleships
6.Eyes Wide Open
7.My Eyes
8.One Night
9.Out In Space
10.Colder
11.New Amsterdam



Video Closer de Travis

martes, abril 17, 2007

The Kooks


The Kooks, o lo que es lo mismo, Luke Pritchard (cantante y guitarrista), Hugh Harris (guitarrista), Max Rafferty (bajista) y Paul Garred (batería), son cuatro chicos de Brigthon, dueños de una estética cuidadosamente desprolija y de un puñado de canciones desenfadadas y eclécticas.

Todo comenzó hace casi un año, cuando editaron su primer single “Eddie’s Gun” y la prensa especializada inglesa (NME) los colocó, a toda prisa como “banda promesa”, al igual que hicieron con Arctic Monkeys …

The Kooks, es una banda en la que la media de edad no supera los 20 años, y aunque en la música, obviamente, lo viejo o lo joven que seas importa más bien poco, Inside In/Inside Out, ofrece guitarras poderosas, melodías pegajosas, arrebatadoras armonías vocales, tremenda vitalidad juvenil, mucho descaro y entusiasmo es lo que desprende el excelente disco de debut, titulado Inside in Inside Out.

¿Y que nos vamos a encontrar en este fantástico disco?
Pues bien, total algarabía pop, temas de melodías pegajosas, guitarras vitalistas y coros furiosos, llenos de "uooosss" como Sofa Song, Eddies Gun o You Don’t Love Me, con un cierto aire nuevaolero y regusto a los añorados Jam, y preciosos temas de clásico y luminoso pop rock británico, algo menos acelerados pero igual de dinámicos y emotivos, como Oh La, She Moves In Her Own Way, Naive y Jackie Big Tits (preciosa a pesar de su título), junto a poderosos y vitaminados trallazos de punk rock como See The World y If Only, en donde nos recuerdan la influencia de los Libertines en las nuevas bandas británicas.

Y como curiosidad, una maravillosa, y delicada canción acústica, Seaside, que abre el disco de un modo inesperado, sobre todo teniendo en cuenta el arrebato sonoro que protagoniza el disco, y dos temas con aire atmosférico I Want You Back y Got no love, de los que me quedo con el segundo, un tema cercano al estilo melódico de los Ocean Colour Scene.

Un disco vibrante, que sin duda ha devuelto la esperanza en las nuevas bandas británicas, a quien escribe estas palabras, que a pesar de tener una clara debilidad por la música británica, considera que en los últimos tiempos está bastante sobrevalorada, en lo referente a los nuevos grupos aparecidos


Inside In Inside Out [2006]



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martes, abril 10, 2007

Deep Purple - The Very Best Of




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Nacido a finales de los sesenta, Deep Purple es uno de los pilares del rock duro británico y uno de los referentes insoslayables cuando se habla de los grandes grupos de la historia del rock.

Junto a Led Zeppelin, Uriah Heep y Black Sabbath, Deep Purple estableció los parámetros de un nuevo género denominado Hard Rock, combinando, como nunca antes, poderosos y densos riffs con memorables melodías.

Durante décadas Deep Purple dominó la escena del rock internacional con álbumes extraordinarios como “Deep Purple in Rock”, “Fireball” y “Machine Head”. Además de sacudir los rankings, Purple fue uno de los primeros grupos de rock que combinó estos ritmos con elementos de la música clásica. El resultado fue el “Concerto for Group and Orchestra”, estrenado junto a la Royal Philarmonic Orchestra en setiembre de 1969, en el legendario teatro Royal Albert Hall.

En su extensa carrera Deep Purple atravesó diferentes cambios de formaciones, pero siempre se mantuvo fiel a su estilo musical y en cada una de esas etapas dejó álbumes de gran calidad artística.

Con más de treinta años de carrera, Deep Purple vive un nuevo renacimiento musical. A los históricos miembros, el cantante Ian Gillan, el bajista Roger Glover y el baterista Ian Paice, ahora se sumaron los talentos del guitarrista Steve Morse y el tecladista Don Airey. Con ellos, esta nueva encarnación de Deep Purple lanzó a fines de 2005 el álbum “Rapture of the Deep”.

Lamentablemente muchos terminan con su interés en Deep Purple en el recuerdo del riff de "Smoke On The Water", perdiéndose así una obra que impactó con fuerza la década de los setenta, por eso les dejo esta compilación con lo "mejor" de esta gran banda.

Lista de Temas.

1. Hush
2. Black Night
3. Speed King
4. Child In Time
5. Strange Kind Of Woman
6. Fireball
7. Demon's Eye
8. Smoke On The Water
9. Highway Star
10. When A Blind Man Cries
11. Never Before
12. Woman From Tokyo
13. Burn
14. Stormbringer
15. You Keep On Moving
16. Perfect Strangers
17. Ted The Mechanic
18. Any Fule Kno That

jueves, abril 05, 2007

Mojo Presents: "Sgt. Pepper"


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Entre diciembre de 1966 y abril de 1967, los Beatles se ocupaban de registrar Sgt. Pepper s Lonely Hearts Club Band , hoy considerado en casi todas las recurrentes encuestas de cualquier rincón del mundo el álbum más importante de la historia del rock.

Su influencia fue decisiva tanto para sus contemporáneos, que pocos días después de escuchar el álbum intentaban componer de esa manera, como para los músicos de las generaciones siguientes.

Son muchas las innovaciones que los Fabulosos Cuatro impusieron con este disco. En primer lugar, establecer una suerte de alter ego de la banda más famosa del mundo, que ya hacía tiempo había decidido abandonar las presentaciones en vivo: el álbum se plantea como un show de La Banda de Corazones Solitarios del Sargento Pimienta. Ruido ambiente de show, la afinación de los instrumentos y comienza el recital. Para dar todavía mayor realismo al concepto, el espacio entre tema y tema es mínimo o, simplemente, no existe.

Aquí, John, Paul, George, Ringo y el otro George (Martin) van más allá también de las posibilidades tecnológicas de aquel momento. Es que entonces se grababa en cuatro pistas, pero lo que hicieron fue acoplar varias consolas en serie, además de grabar por primera vez instrumentos en forma directa, sin que el sonido pasara por el amplificador. Y algo más: cada toma fue pasada por algún efecto (voces, guitarras, bajo, vientos, teclados, etc.).

Así las cosas, el trabajo fue intenso: 750 horas de grabación (una exageración para entonces), con un costo aproximado de 50.000 libras (hoy un valor irrisorio para cualquier gran producción, pero que entonces evidenciaba las ambiciones del cuarteto de Liverpool y la confianza que les tenía su sello).

Para celebrar los 40 años de su aparición, y tal como hizo hace un año con Revolver , la prestigiosa revista Mojo editó con su último número un CD homenaje, en el que se reproduce el Sgt. Pepper s por distintos intérpretes del rock alternativo actual.

Por supuesto, la edición despierta curiosidad, sobre todo porque la mayor parte de los nombres que aparecen en el listado están lejos de las bateas argentinas: Simple Kid, Puerto Muerto, Circulus (con un aire de la Incredible String Band), 747s, Bikeride, Stephanie Dosen, entre otros, a los que se suman los ex alternativos Echo & The Bunnymen con una versión de "All You Need Is Love" como bonus track.

Y sucede lo previsible: por hacer un tema de los Beatles no se puede saber cuál es su propuesta y, por lo tanto, no hay juicio posible por ese pequeño gesto que descubrimos (nada menos que a través del gran disco de la historia), sin conocer su repertorio. Pero a la vez se comprueba algo que se repite desde hace cuatro décadas: lo difícil que es hacer una versión de los Beatles (ya sea porque la intención sea hacerla idéntica, con un estilo propio o deconstruirla).

Tal vez porque las escuchamos tanto, las canciones parecen hasta fáciles de reproducir, pero en la realidad es todo un desafío. Sólo unos pocos pasaron la prueba con holgura y hasta merecieron honores de los propios Beatles y sus fans: Ritchie Havens, Aretha Franklin, Joe Cocker, Stevie Wonder. Hasta Sarah Vaughan tambaleó con las canciones de los Beatles. Y ni hablar de los homenajes de los salseros...

Si se quiere, incluso, es ideal para corroborar lo difícil que es revisitar a los Beatles, pero también para saber que hay gente que todavía se anima.

martes, abril 03, 2007

The Cure


Todo comenzó en 1976 como 'Easy Cure', formado por Robert Smith (voz, guitarra) y sus compañeros de escuela Michael Dempsey (bajo), Lol Tolhurst (batería) y el guitar hero local Porl Thompson. Casi inmediatamente empezaron a escribir y sus propias canciones y a hacer demos, tocando durante 1977 en el sur de Inglaterra para un creciente ejército de fans. Para 1978 el 'Easy' se fue, junto con Porl, y un entusiasta trío ahora conocido simplemente como The Cure fue prontamente firmado por 'Fiction', el nuevo sello de Chris Parry.

En mayo de 1979 su álbum debut 'Three Imaginary Boys' fue lanzado y aclamado y, mientras la banda estaba de amplia gira por el Reino Unido, los sencillos 'Boys Don't Cry' y 'Jumping Someone Else's Train' fueron lanzados. Michael dejó la banda al final del año, y Simon Gallup (bajo) y Matthieu Hartley (teclados) se unieron.

A principios de 1980, el cuarteto emprendió la exploración de un lado más obscuro en la escritura de canciones de Robert, y emergió con el clásico minimalista 'Seventeen Seconds', junto con 'A Forest', su primer legítimo 'hit single'.

Después de un intenso tour mundial, Matthieu dejó el grupo, y a principios de 1981 el trío grabó un álbum de sonidos atmosféricos lastimeros titulado 'Faith', que incluyó otro sencillo exitoso como 'Primary'. La banda se embarcó en un segundo recorrido global llamado 'The Picture Tour', durante el cual lanzaron el sencillo sin álbum 'Charlotte Sometimes'.

En 1982 The Cure regresó al estudio, y su creciente fea fascinación por la desesperación y la decadencia culminó en el implacable ataque sónico de 'Pornography'. Sobrevino un intensivo y volátil tour, y el sencillo 'The Hanging Garden' fue lanzado justo cuando Simon dejaba la banda.

Tras presionar los límites del exceso, Robert sintió que tenía que cambiar las cosas, y lo hizo al volver de nuevo al pop. Rejuvenecido, el Cure ahora dueto lanzó su primer sencillo dance verdadero, la cursi 'Let's Go To Bed', y durante la filmación del video se forjó una colorida y duradera relación con el director Tim Pope. La banda continuó hacia 1983 con el baile electrónico movido de 'The Walk', seguido por el demencial jazz de caricatura de 'The Lovecats'.

En 1984 'The Top' fue publicado, una extraña mezcla alucinógena, que contenía el infecciosamente psicodélico sencillo 'The Caterpillar'. El 'Top Tour' mundial vio a la banda expandirse a un quinteto con la adición de Andy Anderson (batería) y Phil Thornalley (bajo), así como el retorno de Porl Thompson (guitarra). El nuevo sonido Cure fue capturado en vivo para el álbum 'Concert'. Andy y Phil salieron para el final del tour y fueron reemplazados por Boris Williams (batería) y de nueva cuenta Simon Gallup (bajo).

Esta nueva encarnación de The Cure empezó a trabajar en el 'The Head On The Door' de 1985 con un sentido muy real de que algo estaba pasando... El vibrante hit single 'Inbetween Days' estuvo seguido por 'Close To Me', y el resultante tour mundial allanó el camino para el éxito masivo de la colección de sencillos 'Standing On A Beach' en 1986. Ese verano la banda encabezó el Glastonbury Festival por primera vez, y un año de tocadas y festivales extensivos fue coronado por la película de Tim Pope's del concierto en vivo 'The Cure In Orange'.

En 1987 The Cure sacó 'Kiss Me Kiss Me Kiss Me', un álbum doble inmenso de una gama estilística extrema y extraordinaria, y con la llegada de Roger O'Donnell a los teclados un Cure de seis integrantes viajó por el mundo con el 'Kissing Tour', disfrutando de 4 hit singles más por el camino: 'Why Can't I Be You?', 'Catch', 'Hot! Hot! Hot!' y la canción pop perfecta 'Just Like Heaven' que se ha convertido en un clásico de la música pop del siglo XX.

El maravillosamente atmosférico 'Disintegration' se trabajó en 1988 y se lanzó en 1989, y a pesar de ser un trabajo de poderosa grandeza introspectiva, también generó 4 hit singles: 'Lullaby' (para la cual se produjo un galardonado video), 'Fascination Street', 'Pictures Of You' y 'Lovesong', una canción de amor escrita por Robert para su novia eterna como regalo de bodas. El asombroso 'Prayer Tour' que le siguió, con la banda reducida a un quinteto tras la salida de Lol Tolhurst, incluyó algunos de los mejores performances de The Cure hasta la fecha, y fue capturado en vivo para el álbum 'Entreat'.

A principios de 1990, Roger O'Donnell dejó el grupo y fue reemplazado por un amigo de la banda de mucho tiempo, Perry Bamonte, justo a tiempo para que The Cure encabezarq una serie de festivales europeos que incluyeron, por segunda vez, el acto principal del Glastonbury. El élbum 'Mixed Up' fue lanzado, apoyado en los sencillos remezclados 'Never Enough', 'Close To Me' y 'A Forest', y en in 1991 The Cure por fin ganó un largamente atrasado reconocimiento en casa con un Brit Award como 'Best British Group'.

En 1992 grabaron 'Wish', un rico y diverso álbum multifacético cargado de guitarras. Engendró 3 fabulosos hit singles: 'Friday I'm In Love', 'High' y 'A Letter To Elise'. El glorioso 'Wish Tour' que siguió agotó las entradas en todo el mundo.
El poder puro de esta gira inspiró el lanzamiento, en 1993, de dos trabajos en vivo: 'Paris' y 'Show'. El primero es un álbum obscuro compuesto por canciones tocadas durante las 3 noches seguidas que The Cure tocó en Paris, y el segundo fue filmado en Michigan para documentar a la magnífica alineación que estaba a punto de cambiar.

Efectivamente, inmediatamente después de que el tour terminara, el guitarrista Porl Thompson dejó la banda otra vez (esta vez con una sonrisa!), y The Cure encabezó el 'Great Xpectations Show' de XFM en el Finsbury Park de Londres como un cuarteto, siendo ése el último concierto de The Cure del baterista Boris Williams. Ese año Robert Smith grabó con The Cure el tema de la película 'The Crow', y la banda contribuyó también con un cover de 'Purple Haze' para el álbum tributo a Hendrix 'Stone Free'.

En 1994 el mundo vería por última vez a esa alineación al televisarse un 'Mtv Unplugged' entrañable, donde la banda realmente tocó desenchufada utilizando guitarras acústicas, panderos, silbatos y un piano de juguete.

Pronto la vacante dejada por Boris Williams fue anunciada en el periódico y, a principios de 1995, tras una serie de audiencias, el joven Jason Cooper se mudó atrás de la batería y Roger O'Donnell se reintegró, una vez más, en los teclados. Con ello la banda quedó completa y lista para trabajar y arrancaron ese mismo verano encabezando varios festivales Europeos importantes, incluyendo el 25o. Glastonbury.

El trabajo del siguiente álbum fue intercalado con la grabación de 'Dredd Song' para la película 'Judge Dredd' y un cover de la canción de David Bowie 'Young Americans' para un álbum de XFM, pero en 1996 el esperado 'Wild Mood Swings' vio la luz y se fue derecho a casi todos los Top 10 del mundo. A continuación The Cure salió en la más extensa gira hasta la fecha, el 'Swing Tour', que no obstante pasó por alto Asia e Hispanoamérica.

'Galore', la continuación de la compilación de sencillos y video 'Standing On A Beach', fue lanzada en 1997, después de lo cual el trabajo de la banda se centró en varios proyectos en 1998, incluyendo la grabación de 'More than This' para el soundtrack de la película 'The X Files', y una memorable aparición de Robert en 'South Park'.

En 1999 The Cure completó la grabación y mezcla de lo que muchos consideran su mejor álbum de estudio hasta ahora: el nominado al Grammy 'Bloodflowers'. Tras la presentación del álbum a principios del año 2000, la banda salió en una masiva gira, el 'Dream Tour' - tocando para más de un millón de personas durante 9 meses.

2001 vio el largamente esperado 'Greatest Hits' de The Cure, que contenía todos los sencillos más vendidos de la banda junto con 2 nuevos temas, el elegíaco 'Cut Here' y el entusiasta 'Just Say Yes' a dueto con Saffron. Ese año también vio el final de la relación del grupo con Fiction Records, el sello del cual habían sido instrumento para su inicio 23 años antes.

En 2002 la banda pasó el verano encabezando varios festivales europeos antes de empezar a ensayar para dos noches sumamente especiales en noviembre en el Tempodrom de Berlín, donde ejecutaron todas y cada una de las canciones de 'Pornography', 'Disintegration' y 'Bloodflowers' más encores. Ambos conciertos fueron filmados en video Hi-Def con 12 cámaras, y el DVD 'Trilogy' fue lanzado en 2003 mientras otro capítulo en la historia de The Cure se habría al firmar la banda un contrato global por 3 álbumes con Geffen.

2004 vio la salida al mercado de 'Join the Dots', un box-set de 4 CDs conteniendo todos los lados B y rarezas de los años con Fiction de The Cure. Esta indispensable recopilación fue seguida de un aclamado nuevo álbum que, cual si de una opera prima se tratara, fue titulado simpemente 'The Cure'.

En 2005, Perry Bamonte y Roger O'Donnell dejaron la banda y Porl Thompson volvió por tercera vez. El debut del cuarteto fue el show de Paris para el Live 8, que fue seguido por algunos otros festivales de verano europeos. Sin haberse planeado con anticipación, estos festivales europeos terminaron siendo grabados en video. Partes de estas grabaciones, más las hechas por algunos fans con sus cámaras de video, fueron compiladas para editar un DVD.

Mientras tanto, los primeros 4 álbumes del catálogo de The Cure habían sido re-editados y puestos en el mercado, remasterizados y con un CD extra de rarezas especialmente seleccionadas por Robert Smith de entre sus archivos de la época correspondiente a cada álbum. Como parte de la promoción de estos álbumes, las 4 canciones que daban título a cada uno de estos álbumes fueron re-grabadas para su lanzamiento a través de iTunes junto con entrevistas exclusivas donde Robert revisaba sus recuerdos de la época en que cada álbum fue grabado, hace un cuarto de siglo ya. Este fue el primer lanzamiento de The Cure a través de internet y fue titulado '4 Play'.

En 2006 el esperado DVD en vivo, titulado simplemente 'Festival 2005', fue puesto en el mercado mundial a un precio accesible, conteniendo 30 canciones equivalentes a más de dos horas y media de película. El sonido 5.1 y las imágenes tan variadas que van desde close-ups profesionales hasta tomas lejanas hechas con cámaras de video casero por los fans, hacen de esta película una experiencia singular. Ese mismo año, el cuarteto inició la grabación de su 15o. álbum de estudio que se espera sea lanzado antes de que termine este 2007.

Discografia:

Para Descargar Los Discos Has Click Sobre El Titulo De Los Mismos.

Three Imaginary Boys [1979]


Boys Don't Cry [1980]


Seventeen Seconds [1980]


Faith [1980]


Pornography [1982]


The Top [1984]


The Head On The Door [1985]


Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me [1986]


Disintegration [1989]


Mixed Up [1990]


Wish [1992]


Wild Mood Swings [1996]


Bloodflowers [2000]


The Cure [2004]

lunes, abril 02, 2007

Jarvis Cocker - "Jarvis"


Para Descargar El Disco Has Click Sobre El Titulo Del Post.

Cinco años después de We Love Life (último trabajo de Pulp), Jarvis -chaggy- Cocker regreso el pasado año, y lo hizo con su primer trabajo de solista, -en el intertanto no estuvo inactivo- participo en una banda de corte electroclash (Relaxed Muscle) bajo el pseudónimo de Darren Spooner la cual parte de la prensa musical considero una mala broma (por cierto como suelen hacer, exageraron con ese apelativo), tambien se mudo a Paris para ejercer una paternidad relajada con base en su foraneidad, escribio canciones para Nancy Sinatra o la actriz Charlotte Gainsbourg y tambien lo hizo para recopilatorios y soundtracks.

Para este debut homonimo, Cocker se hizo acompañar de viejos amigos como Steve Mackey (bajista de Pulp) y ha estructurado un material en el cual su manera de componer y sus sonidos habituales permanecen. “Don't Let Him Waste Your Time” y ” Baby's Coming Back To Me”, dos piezas escritas para la hija de Sinatra, pero que al igual que en “Let Me Kiss You” de Morrissey suenan mejor en la voz y arreglos de su autor.

En este trabajo conviven tracks redondos como la hermosa 'Tonite' versus otras menos inspiradas; A pesar de estar frente a un trabajo irregular entre pistas , sin una unidad de sonido que lo caracterice, Jarvis atesora buenos pasajes y deja la puerta abierta para nuevas y mejores contribuciones del larguiducho letrista y cantante.

1. Loss Adjuster (Excerpt, Pt. 1)
2. Don't Let Him Waste Your Time
3. Black Magic
4. Heavy Weather
5. I Will Kill Again
6. Baby's Coming Back to Me
7. Fat Children
8. From Auschwitz to Ipswich
9. Disney Time
10. Tonite
11. Big Julie
12. Loss Adjuster (Excerpt, Pt. 2)
13. Quantum Theory
14. Don't Let Him Waste Your Time